Mostrando entradas con la etiqueta teatro. Mostrar todas las entradas

“Finanaciar el proyecto fue un arduo trabajo en equipo”

Rosario Alfaro actriz y autora de Bestia, dispositivo para ser ella, una obra de teatro que sobre financió colectivamente su producción a través de Panal de ideas por más de $6000. Alfaro es Licenciada en Arte Dramático (USAL) y continúa su formación con Ricardo Bartís, Maricel Álvarez, Lorena Vega, Oscar Guzmán, Emilio García Webhi y Pompeyo Audivert, entre otros. Forma parte hace siete años del equipo de trabajo “Efímero” con el produce obra de teatro y el festival el “El porvenir”. El estado de su espíritu es inquieto e intenso. Su mayor desgracia sería la soledad. Su actor favorito es Klaus Kinski. El teatro para ella es un ritual, un exorcismo. Un actor para ella es la nada y lo es todo. Alfaro, junto a la directora Jimena Kroucco, nos contaron sobre la obra y nos respondieron sobre el financiamiento colectivo


Rosario Alfaro, encarna a Evita y es la guionista de la obra.


¿Por qué elegieron a Evita como eje central de la obra?

Rosario: Creo que Eva es uno de los ejes principales pero no el único. Por qué Eva, porque nos conmovió ELLA, pero no solo por su costado político, sino como mujer y por su condición de actriz. Es aquí donde engarzamos otra de las boyas que contienen y sostienen el trabajo, la condición de las actrices y en particular de Eva. De la bestia que la habita y la posee, de esta actriz de la obra que encarna a Eva y llegando al núcleo de la condición de Rosario Alfaro como actriz que encarna a otra actriz que intenta ser Eva Perón. En este sentido el trabajo oscila continuamente, es una obra móvil e inestable no solo en su concepto espacial sino también en el movimiento interno de actuación.

Jimena: Eva, es el habilitante, el posible, a través de ella, en su condición de Mito, nos permite sumergirnos en los interrogantes que plantea la obra, reflexionar sobre lo que nos interesa, que son las condiciones, procedimientos y mecánicas que se ponen de manifiesto al momento de producir actuación.

¿Cómo surgió la idea de realizar “Bestia, dispositivo para ser ella”?

Rosario: La idea surgió como germen en un seminario de montaje que tome hace dos años. Luego de generar este germen y una hipótesis, note que el trabajo trascendía la instancia de taller y que por lo tanto necesitaba y se merecía convertirse en obra, por su conmovedora condición. Es ahí cuando de forma imprescindible este trabajo necesitaba de un equipo que pueda llevarlo a cabo y convertirlo en obra. Ahí fue cuando convoque para la dirección a Jimena para construir el concepto y desarrollo del dispositivo escénico.

Jimena: Conversamos y me interesé por la propuesta, y rápidamente coincidimos en trabajar, y ese primer eslabón dio el origen de lo que hoy, luego de intensas y profundas horas de trabajo, es Bestia. La obra, trata sobre una actriz, que está intentando encarnar el personaje de Eva Perón y durante ese proceso, se plantea su propia condición de actriz, la condiciones de la actuación en general, (¿que nos ocupa en la tarea?), las condiciones de producción y de autogestión en el teatro independiente. El personaje (si se puede pensar en ¿personaje?) es La actriz Rosario/ Ella/ Eva.

¿Piensan que la filosofía independiente y comunitaria de la obra, tiene que ver ideológicamente con Panal de ideas?

Rosario: Por supuesto, la obra se autogestiona la técnica y proporciona los medios para poder subsistir y existir como tal, la obra es una excusa, un dispositivo para poder actuar. Panal de ideas es una página para poder autogestionar los medios de producción, para poder llevar a cabo un proyecto; elimina los intermediarios e invita a los futuros espectadores a formar parte del proyecto, a colaborar no solo en forma económica, sino también por medio del voluntariado. Tiende una red entre los futuros espectadores y los artistas.

Jimena: Coincidimos con Panal, y al carácter comunitario le sumaría en nuestro caso el carácter popular de la obra. Comunitaria, en el sentido de las redes sociales que se generan, Panal de Ideas, es y fue para el proyecto un “compañero”, y en eso estamos agradecidas.
Rosario y Jimena, junto al equipo de “Bestia, dispositivo para ser ella".


¿Cómo vivieron la experiencia del crowdfunding? ¿Dudaron que llegarían a financiarlo?

Rosario: Finanaciar el proyecto fue un arduo trabajo en equipo. Entre todos nos pusimos al frente de esta quijotada, como diría Jimena, pero también era muy gratificante ver cómo la gente se interesaba por la obra y valoraba nuestro trabajo. Dudar, si muchas veces dudamos pero en el último lapso de tiempo (los últimos 30 días de toda nuestra campaña) organizamos un plan de comunicación, subiendo información a nuestros Facebook personal, al de la obra. Tratando de llegar no solo a nuestros amigos/conocido sino también de llegar a los amigos/conocidos de nuestros amigos/conocidos, ampliando el circulo, y creo que eso nos ayudó a lograr el objetivo.

Jimena: La experiencia del financiamiento, fue más que interesante. Mucho trabajo, mucha insistencia y felices. Las personas allegadas, a las cuales les escribimos miles de mails, mensajes en las redes sociales, quedaban muy impactadas por la forma que existiese de financiar proyectos. Tuvo rápidamente repercusión y a las personas les daban ganas de colaborar, también por valorizar el trabajo que existe para pedir financiamiento, y las recompensas al ser una forma de retribución por la acción del activista, se generaba velozmente una empatía.

Realizaron el estreno de la obra en Agosto ¿Cómo les está yendo con el público?

Rosario: Las funciones están saliendo muy bien, también se completó el trabajo y crece función a función.

Jimena: Nos está yendo muy bien, la obra gusta mucho. Queremos que la vea todo el mundo. Son interesantes las diferentes percepciones. Un público más joven quizás se queda impactado con el espacio, con la actuación, con la propuesta en cuanto a lo estético y profundidad. Un público más longevo aprecia y valora al personaje de Eva, nos cuentan historias de cuando ella estaba viva, cómo era vivir en esa época, es emocionante lo que sucede.

“Bestia, dispositivo para ser ella”, realiza sus funciones los días jueves a las 22 hs en el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556), hasta el 17 de octubre.

“Panal es la esperanza de cualquier artista independiente”

María José de la Cruz es la productora de Ruleta Rosa, una obra de teatro que sobre financió colectivamente su producción a través de Panal de ideas por más de $4200. José de la Cruz nació en Chile y es Licenciada en Artes Teatrales y profesora de teatro. Su espíritu es libre y su carácter leal. Su principal defecto es que habla muy fuerte. Su mayor desgracia es no poder reír. Su héroe de la vida real es Shakespeare. El teatro para ella es felicidad y lo que más le gusta en la vida es el amor. Aquí, nos cuenta sobre la obra experiencia y su experiencia con el crowdfunding

María José de la Cruz, productora de “Ruleta Rosa”.



¿Cómo surge la idea de hacer “Ruleta Rosa”?
La idea surge del director Nibaldo Matura de hablar de la sexualidad hoy, de su vivencia y su subjetividad. Así comenzaron los actores comenzaron a jugar improvisando, tomando como fuente creativa la obra de Arthur Schnitzler (La ronda) para darle rienda suelta a la dramaturgia. Los actores así crearon sus propios personajes, explorando sus vivencias o fantasías sexuales. Tomamos la idea de Schnitzler por la temática sexual, los diálogos son pre y post sexo, donde los personajes muestran sus lados seductores y feos, al mismo tiempo.

En la obra el público comparte el mismo espacio con los actores. ¿Por qué les gusta experimentar el vínculo del actor con el público y buscan la intimidad?
El director, Nibaldo partió con la idea del espacio vacío, es la carga expresiva del actor y su cuerpo, su medio de narración. Ruleta Rosa nos introduce en situaciones no solo sexuales, sino íntimas, muy personales, es por eso que quisimos que el público estuviera cerca. A veces molesta, duele o excita. Creo que cómo colectivo “La Horrorosa” es una mixtura latinoamericana juguetona, desordenada, irreverente. Nos gusta hablar desde lo nuestro, ser pesados y portarnos a veces mal. Lo abordamos desde la experiencia, el director trabaja desde el desprejuicio y eso dio libertad a los actores.

¿Cómo se les ocurrió poner dentro de las recompensas clases de entrenamiento físico y un book de fotos?
En realidad pensamos en los costos y facilidad para poder realizar el tema de las recompensas y de ahí surgió la idea de ver qué servicio podía prestar cada uno de los integrantes. Claudio Campi nuestro fotógrafo ofreció los books y Sherry Denis, asistente de dirección y actriz especializada en diversas técnicas corporales ofreció los entrenamientos y nos pareció que podía tener relación con parte de la obra y el target al que apuntamos.

El elenco, junto al director. De izquierda a derecha: Sebastián Fiaño, Andrés Charcape, Nibaldo Maturana (director), Christian Nieves, Ariel Sandez y Mirko Paredes.


¿Cómo su experiencia con el financiamiento colectivo?
Me comentaron de panal, luego me contacté con Patricio Sabatini, el director y luego con Ivanna Fridman, la encargada de desarrollo de proyectos y me contaron como era el funcionamiento. Me pareció una idea genial. Panal es la esperanza de cualquier artista independiente. Además es una idea hermosa, nos da esa sensación de colectividad, que está buenísima. Jamás dudamos de financiarlo.

En el voluntariado consiguieron postulantes para el diseño y la difusión del espectáculo. ¿Cuál fue el resultado?
Jamás pensamos que la gente se postularía y tan rápidamente, fue increíble. Además aún seguimos trabajando con Ale Goldin, que ya es parte del equipo y que nos está haciendo todo el diseño gráfico de RULETA ROSA.

¿Recomendarías Panal de ideas?
Por supuesto, agradezco la paciencia, el seguimiento y evaluación que le hicieron al proyecto, la disposición y el tiempo. El trato personal y humano fue una bella experiencia. Agradecemos muchísimo todo el trabajo que hacen prácticamente gratis en pos de proyectos de otros.


"Ruleta Rosa", dirigida por Nibaldo Matura, se presentará a partir del 26 de septiembre todos los jueves a las 21 hs. en Espacio G104 (Gascón 104).

“Varieté Brutal es un viaje por la cruda realidad de la vida”

Matías García (productor) y Julián Sierra (director) son los creadores de Varieté Brutal 4, una obra de teatro que sobre financió su monto inicial de $8700 y logró conseguir $10.000 para vestuario, escenografía y utilería a través de Panal de ideas. Varieté es un espectáculo donde conviven animales, seres imaginarios, casos policiales, cine y noticias. García como productor teatral se formó con Gustavo Shraier. Además es locutor, boy scout desde los 12 años y se formó con Fernando Peña y Eduardo Aliverti. Su espíritu es apasionadao, quisiera ser hobbit por un día y su desgracia sería que fuera invierno todo el año. Sierra se formó como actor y director con Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti, entre otros. También es cantante, escribe guiones y es boy scout desde los seis años. Trabaja en obras de teatro, musicales, publicidad y radio. Realizó una temporada en el teatro York Royal Theatre, en Inglaterra. Su espíritu es volador y rebele. En una entrevista divertida, nos cuentan su experiencia a través del crowdfunding:


¿Cómo y dónde surgió la idea de Varieté Brutal?

Julián: Eramos scouts con Matías y teníamos 15 y 17 años. Habíamos perdido la elección de nuestro proyecto en un concurso. Matías había trabajado como loco en una idea: una jornada con discapacitados en la Quinta Trabuco en Vicente López, nuestro barrio. Laburamos día y noche. Matías puso su fuerza, su compromiso ciego, su lealtad con buenas causas. Ese año perdimos el concurso, Matías lloró y nos abrazamos. Ocho años después, en el 2009 estrenamos Varieté Brutal, un espectáculo de humor y denuncia.

¿Cuál es la historia y los personajes que integran Varieté Brutal 4?
Julián: Varieté Brutal es un viaje por la cruda realidad de la vida. No hay una historia, hay un momento entre los artistas y la gente. Mechamos distintos números de humor denunciando las cosas que queremos que la gente entienda.
Matías: El espectáculo es divertido, mágico y bizarro porque es igual al mundo real. Varieté se estrenó con cajas, sillas, ropas y cosas que nuestras familias donaron. Compramos algunos objetos en Once y otros en el barrio chino. Así, con tan solo $400 estrenamos en 2009. Hoy contamos con un presupuesto para gastar, un regalo de la vida.


Julián Sierra y Matías García.


¿Qué buscan y cuál es el objetivo artístico de Varieté Brutal 4? ¿Cuáles son los temas que denuncian y por qué buscan la reflexión?
Julián: Buscamos una identificación con el público, un vínculo. No nos interesa agradar. Nos interesa tener personalidad. Nuestro objetivo como artistas es contar bien las historias. Queremos cavar en la crueldad del mundo hasta que de risa. Mostrar clásicos como la Novicia Rebelde tomando cerveza y mandando a los niños a trabajar a la calle.


Julián Sierra, el director de Varieté Brutal


¿Cómo se les ocurrió la recompensa de la “cena brutal” y la posibilidad de que los activistas formen parte de la obra con un personaje bizarro en un sketch?
Matías: Todos los años, al terminar la temporada, solemos hacer una cena o fiesta muy divertida con todo el staff de Varieté para celebrar el año de trabajo. Este año nos parecía mega invitar y agasajar a aquel activista que apostaba y confiaba en nuestro proyecto, comprando una de las recompensas más caras. Con respecto al personaje bizarro, al ser un espectáculo de muchos sketchs, Varieté tiene muchas posibilidades para que el público pueda participar con un personaje en casi todos los números.

Se postularon varios asistentes de producción a través del voluntariado. ¿Cómo resultó esa experiencia, ya eligieron a los postulantes?
Matías: Una buena posibilidad de conectarse con gente que tenga ganas de aprender, ganas de hacer y ganas de vivir la experiencia que uno puede ofrecerle con su espectáculo. Vamos a elegir sobre todo a alguien que tenga ganas para cubrir un rol de Asistente de Producción, para que nos de una mano durante las funciones. La máquina de humo la conseguimos gracias a un amigo de la infancia de July, le decimos “Jabón”, que nos mando un mensaje directo a la mensajería de Panal de ideas. Muy loco.


Matías García, el encargado de producción de Varieté Brutal.


¿Cómo resultó la curadería de “Recursos Culturales”? ¿Piensan que les sirvió concretamente?
Matías: Muy buena, nos dio la posibilidad de llegar a muchísima gente que no conocía nuestro espectáculo. Muchos fan’s nuevos en nuestra Fan Page de Facebook, gracias al apoyo y difusión de parte de Recursos Culturales.

¿Qué les pareció la experiencia del financiamiento colectivo? ¿Dudaron de que lograrían financiarlo?
Matías: Muy buena, sobre todo la repercusión y el aporte entre nuestros fieles espectadores. Las ganas de aportar de las familias y amigos de los chicos del elenco y producción. El apoyo incondicional de todos ellos lleno de amor y alegría el espíritu de Varieté Brutal. Durante los 60 días pasamos por millones de estados: Muy cebados y ansiosos al comienzo. Con muchos miedos y desconfianza de llegar al 100%, promediando los 30 días del proyecto, y mucho entusiasmo y fuerza llegando al final. Planeamos estrategias para “cosechar activistas” en corto plazo. Mucha difusión. Todo salió para adelante.

El elenco de Varieté Brutal. Arriba (de izq a der): Andrés Passeri - Julían Bass - Luana Pascual - Julían Sierra. Abajo (de izq a der): Tati Martinez - Francisco González Gil - Vicky Condomi



La cuarta temporada de "Varieté Brutal", con dirección de Julián Sierra, se presenta a partir del sábado 21 de septiembre, todos los sábados a las 00hs (hasta el 21 de diciembre). A finales de Agosto se podrán comprar las entradas a través de www.tuentrada.com

“Con mi obra busco rescatar la burla, lo absurdo y el humor inteligente”

Brenda Costa es la directora de “Delia o la Noche de las flores”, una obra de teatro que financió colectivamente su vestuario y parte de la escenografía a través de Panal de ideas. La historia narra la vida de Delia, una escultora italiana cuyo matrimonio está en declive. Costa es licenciada en Actuación (IUNA), se formó con Ricardo Bartís, Pompeyo Audivert, Eugenio Soto y Ariel Barchilón. El principal rasgo de su carácter es su ansiedad. Lo que más aprecia en las personas es el humor. Su principal defecto es su exigencia. Sus actores favoritos son Christoph Waltz, Uma Thurman, Buster Keaton, Bill Murray, Dennis Hopper y Meryl Streep. En esta entrevista nos abre las puertas de su mundo creativo y de sus artimañas como directora.

Un ensayo de "Delia o la Noche de las flores". Ito (Yannick Du Plessis), Maga (Natalia Canillas) y Castro (Federico Iglesias)


¿Cómo surgió la idea de hacer una obra sobre una escultora italiana y sus extrañas prácticas nocturnas?
El año anterior a escribir la obra, estuve muy pendiente de algunos artistas, fui a sus muestras, accedí a material sobre su vida y obra. Fue sin querer pero algo de eso me quedó rondando y se mezcló con ejercicios de escritura, imágenes, experiencias personales y películas. Con el tiempo, la trama y el personaje de Delia fueron tomando forma. La escultura tiene un método que es muy representativo de la búsqueda del artista, de su proceso creativo. Literalmente, darle forma a lo informe, encontrarle un estilo, percibir sus tensiones. En Delia, probablemente, esté resumido ese quehacer y la obsesión por la obra, por tornarse obra ella también. Hay una simbiosis y un deseo de ser la misma cosa, en el personaje.

¿Cómo fue el proceso creativo de escritura?
El disparador inicial fue una idea para una película. Escribí las primeras cinco páginas para un taller que estaba haciendo y tuve que dejar. Pensé en retomar la escritura más adelante, pero la obra se me impuso. Tenía imágenes e ideas que fui plasmando hasta llegar a un primer boceto. Fue un proceso relativamente corto. Los personajes se me presentaron muy claramente, los ví, los pensé. Hace más de un año que trabajo con el material, lo modifico, lo completo y lo leo. Empecé a ensayar con los actores ese primer boceto y la escritura de la obra se fue completando con los ensayos. Los textos son míos, pero precisé probarlos con los actores.

Conversación entre los actores Ito (Yannick Du Plessis) y Castro (Federico Iglesias)



¿Por qué los personajes viven en un mundo refinado?
Los personajes son Delia, la escultora italiana y Renzo su esposo, con quién la convivencia se ha tornado dura, debido a sus prácticas nocturnas y la falta de contacto físico. Y además los tres invitados, amigos de Delia: Castro, Ito y Maga. Los vínculos se articulan de un modo muy dinámico durante la obra, entre ellos, con Renzo y Delia. Los personajes son presentados como unos snobs y terminan cometiendo calamidades. El marco de todo eso es un espacio prolijo, bello, atractivo, exacto, para que ellos pudieran ponerse desprolijos. Como una mancha de sangre sobre un tapizado bellísimo.

¿Qué relevancia tiene el diseño sonoro de “Fer Tur” dentro de la obra?
Empecé a trabajar con una hipótesis de banda sonora, que incluye temas de jazz de Mulligan y temas en italiano de Renato Carosone. Fer Tur, se encargó de agregar sonidos para ambientar lo que ya estaba armado visual y actoralmente.

En las recompensas incluyeron “una cena italiana” y “esculturas”. ¿Por qué y cómo se les ocurrieron esas recompensas y cómo las recibieron los activistas?
Quisimos que los activistas también pudieran inmiscuirse en el mundo que invoca la obra. Nos pareció que una cena y una escultura podían ser dos recompensas interesantes para ellos.

Brenda Costa (directora) dándole indicaciones a Renzo (Daniel Núñez)



¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizas? ¿Cuál es el objetivo artístico?
Esta es la primera obra que dirijo y escribo por completo. Antes había co- escrito “Living Room”. Con mi obra busco rescatar la burla, lo absurdo y el humor inteligente. Por otra parte hay algunas referencias a mí y a mi familia, pero no de manera consciente. El objetivo de “Delia o la Noche de las flores” es poder transmitir mis artimañas como directora, como creadora de un hecho teatral.

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas?
Fue bastante largo el proceso hasta lanzar el proyecto. Me había planteado definir objetivos y recompensas. Desde Diciembre hasta Abril estuve en contacto con Ivanna Fridman para plantearlo de la mejor manera. Finalmente, después de grabar el video con los actores, lo lanzamos. Durante los dos meses siguientes, tuvimos momentos de expectativa o de frustración, si veíamos que estaba estancado. Sentimos alegría cuando lo financiamos. Me hubiera endeudado si no lo financiaba por Panal de ideas.

¿Cómo vienen con los ensayos de las funciones?
Esta época es muy disfrutable para mí. Lo que era un frankestein ahora tiene forma y fecha de estreno. Con respecto hace un año atrás, ahora el trabajo parece más fácil. Trabajé mucho, estoy disfrutando del monstruo de mi creación. Somos un grupo grande, pero prolijos a ritmo. En un mes, veremos cómo funciona la obra y como la reciben los espectadores. Me parece importante mostrar el mundo que imagine y que todos puedan ser parte de este proyecto.

“Delia o la Noche de las flores”, dirigida y escrita por Brenda Costa. Se presenta desde Agosto hasta Octubre, todos los viernes a las 22hs en La Sala Habitándonos (Valentín Gómez 3155).

"Logramos lo que soñamos"

Ernesto “Tuqui” Donegana es el director de “La hora azul”, una obra de teatro que se financió colectivamente a través de Panal de ideas. El espectáculo recorre la historia Argentina a través de la música, danza, canciones y otras artes escénicas. Donegana se formó como actor en “Sportivo Teatral” y en el “Teatro San Martín”, entre otros. El principal rasgo de su carácter es ser respetuoso y quisiera ser más alto. Su principal defecto es que es desordenado, pero detesta la impuntualidad. Sus actores favoritos son los políticos. En esta entrevista nos cuenta sobre la obra y los desafíos del crowdfunding.


¿Cómo surgió la idea de hacer una obra sobre un cabaret que recorra la historia Argentina?
La idea era trabajar aspectos de la historia reciente del país, esto nació dentro del género cabaret porque desde allí pensamos la realidad, la parodiamos y producimos un choque. Es una cabalgata paródica e humorística sobre coyunturas políticas del país. El cabaret es un género anárquico, extraordinario y único que permite decir lo que nadie dice. No tiene un relato, sino que está estructurado en números y el público puede mirar el espectáculo tomando algo desde nuestra barra exclusiva. Removemos así el pensamiento único del “gran modelo argentino”, para pensar en otra cosa. Para torcer ese pensamiento único necesitábamos de un autor como Alejandro Tantanian que sondeó en la historia del género. Luego escribió los textos y canciones que están presentes en “La hora azul” basándose en discursos famosos de la historia Argentina, canciones de Bertolt Brecht, Friedrich Hollander, Stephen Sondheim, Cole Porter, Jacques Brel y Boris Vian, entre otros. Muchos de los nombrados, son enormes letristas que construyeron piezas únicas, dentro de la música y su propia mirada sobre la realidad de su país.

Ernesto Donegana, director de "La hora azul".


¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizás? ¿Es importante la estética?
Cada espectáculo es nuevo desafío. Siempre llevo adelante nuevas propuestas diferentes entre sí, que me exigen forzar mis propios límites y entablar desafíos creativos. “La hora azul” involucró un proceso artístico que nos enfrentó con limitaciones y logros extraordinarios. Estoy feliz con lo que conseguimos. Creo que esa felicidad es la que se trasladará a los espectadores. Gozamos haciendo la obra y es un gran objetivo logrado. El trabajo que llevé adelante con Zoe Di Rienzo, la encargada de arte del cabaret, ha sido de lujo. Zoe es una artista plástica única con una extraordinaria imaginación y un potencial artístico explosivo. Me conmovió mucho ver como quedó el espacio después de las intervenciones de Zoe. El vestuario es un verdadero lujo para una producción de este tipo, hay de todo: desde plumas, hasta capas de seda. ¡Invito a todos a compartir la experiencia!

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas? ¿Qué hubiera pasado si no podían comprar las pelucas y la utilería para la obra?
La experiencia fue única, nunca dudamos que llegaríamos a financiarlo. Siempre supimos que Panal de ideas era un espacio para financiar este proyecto que quiso ser independiente del dinero del Estado. Si no hubiéramos conseguido el dinero, las actrices hubieran sido peladas y no utilizaríamos objetos. Afortunadamente nada de eso ocurrió. Logramos lo que soñamos. Además a través del voluntariado conseguimos un estudiante de actuación que colaboró en la obra, eso fue un beneficio extra que nos dio Panal de ideas.

Tres actrices de la obra. Marien Perseo (Irene), Marcela Arza (La polaca) y Flora Ferrari (La tana


¿Qué significa para ustedes presentarse en la Casona Iluminada? ¿Cómo les fue en el estreno?
La Casona Iluminada es hoy uno de los espacios radicalmente alternativos que ofrece la ciudad de Buenos Aires. Para nosotros poder formar parte de la programación es una verdadera felicidad. Reconocemos en ese espacio marcas generacionales muy fuertes y adherimos a esas voluntades de búsqueda y estéticas. El estreno fue un salto al abismo, pero estuvo más que bien. Todos contentos. Esperemos a ver que sucede en la segunda función.


“La hora azul”, de Alejandro Tantanian con dirección de Ernesto Donegana. Se presenta por dos meses todos los viernes a las 23.15hs en La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979).

“El financiamiento colectivo permite apoyar el arte independiente”

Paula Baró es directora teatral y financió colectivamente a través de Panal de ideas dos obras de su autoría. En la primera costeó el vestuario de “Los lindos” y en su segunda experiencia consiguió financiar la escenografía de “Línea de Cajas”, una historia que transcurre en un supermercado y que se estrenó el domingo pasado en el Abasto Social Club. En esta entrevista nos cuenta sobre las dificultades de ser directora, la importancia de la estética de la obra y nos brinda recetas para hacer exitoso un proyecto de crowdfunding.

En su mano izquierda, lleva una cinta contra la envidia. Paula Baró pide un café y ansiosa mueve las manos cuando habla. Trabaja como dramaturga, directora, programadora, profesora de teatro y productora. El estado de su espíritu es violeta y naranja, está en un gran momento. Además coordina el departamento de teatro del Club Cultural Matienzo y es parte de la agrupación “Escena”. El principal rasgo de su carácter es la tenacidad y su cualidad es la sensibilidad. Dice que le gustaría ser un rayo de luz, una médium entre deseos y realizaciones. Lo que más detesta es la quietud y un don natural que le gustaría tener es la teletransportación. El teatro para ella es un lugar donde se realizan sus deseos. Un actor para ella es alguien que actúa sobre la realidad. Cuando el camarero le trae el café, se enciende el grabador y comienza la entrevista.

Paula Baró sosteniendo el afiche de "Línea de cajas".


¿Cómo se te ocurrió la idea de hacer “Línea de Cajas” y de que trata la historia?
La idea surge cuando Emanuel Medina la estaba escribiendo en su taller de dramaturgia y yo me fui enamorando del texto y cuando lo terminó le dije: “Yo la quiero hacer”. Y bueno, la hicimos. La historia sucede en un supermercado, todo sucede en el territorio de lo real, aunque por momentos hay algunos extrañamientos. Si vos estás durante nueve horas en un supermercado muchos años, todo lo que sucede en tu vida tiene que ver con el espacio y hay lazos afectivos. Hay relaciones de poder. A eso se suman historias de los clientes que van a ese súper y se exponen los vínculos humanos desde la diversificación del consumo. Es una comedia emotiva y una operación política que cuestiona. Los personajes son dos cajeras, un repositor, una chica de informes y tres clientes, cada uno tiene sus propias características. Trabajé mucho en la puesta antes de convocar a los actores, pensé en darle una tridimensionalidad al texto y tuve que pensar un elenco que tenga que ver con lo que cada personaje podía aportar desde lo estético. La construcción fue por etapas, primero me encargué de que se aprendan los textos. Después fui armando una estructura de acciones que contienen la actuación desde la dirección. Pero los actores son muy talentosos y tienen libertad sobre sus propios personajes.

¿Qué rol ocupa la escenografía dentro de la obra? ¿Por qué es importante?
Sin la escenografía no hubiese hecho la obra. Es un factor central. La escenografía es un actor más. Fue realizada y diseñada por Julieta Potenze, junto a un equipo de realizadores que participaron del armado. Nosotros elegimos el “Abasto Social Club” porque hay una decisión política al ensayar en una sala independiente que es un galpón. La elegimos por aspectos estéticos y geográficos. Cuando trabajamos con Julieta Potenze queríamos elaborar al algo lúdico y realista desde la escenografía. Es un juego de supermercado. Pero es realismo porque la máquina registradora expende tickets y las góndolas y los productos son reales, pero en lo estético está todo reducido a menor escala, como si fuera la “República de los niños”. Nos parecía divertido recrear cuando uno entra a una farmacia donde todo está equilibrado, la luz es perfecta, uno está relajado y compra cosas que no necesita. El ambiente está predispuesto por la lógica de consumo. La idea es que el espectador quede consumido, pegado a la obra.

Una escena de la obra "Línea de Cajas".


¿Adherís con el existencialismo del texto de Emmanuel Medina? ¿Trabajaron en conjunto para la elaboración del texto? ¿Cuál fue la importancia de la musicalización de Martín Simonovich?
Adhiero al existencialismo grisáceo de Emmanuel Medina, el tiene la palabra en dramaturgia y yo la tengo en dirección. Somos un equipo y venimos trabajando hace dos años. Medina estuvo presente en todos los ensayos y se encargo de contener a los actores en la parte de comprensión de texto. Son escenas cinematográficas de tres minutos, como un zapping. Yo soy fanática de la puesta en escena. Me gusta la idea de tener ganas de mirar una obra. La música que compuso Martín Simonovich es un colchón, esa música que se escucha de fondo en los locales. Hay efectos de sonido que son claves para la obra. El desafío era crear una música que no joda la acción, por eso logramos una sintonía tranquila.

Sos la única artista que tuvo dos proyectos exitosos en Panal de ideas. ¿Hay alguna receta para lograrlo?
Me gusta trabajar con Panal de ideas. El financiamiento colectivo permite apoyar el arte independiente. Mi experiencia fue siempre intensa y llevó mucho trabajo, pero fue un camino que funcionó. En mi caso creo que se movió porque tengo creencia y participo de proyectos independientes. Yo trabajo en Centro Cultural Matienzo y de una agrupación que se llama “Escena”. En mi universo todos colaboramos con el proyecto del otro como forma de vida. Es una decisión, una forma de hacer las cosas. Alrededor mío tengo una red de gente que ayuda a difundir. El éxito de mis proyectos tiene que ver con las redes sociales y con la ayuda de mi asistente de proyectos artísticos Belén Charpentier. Juntas, eramos dos psicóticas compulsivas compartiendo, vigilando, controlando, viendo quién aportó, cómo seguir un aporte. En la primera obra que subí a la página financié el vestuario de “Los lindos” y los aportes se sucedían de una manera muy natural porque era la primera vez que lo hacíamos, creo que fue la época del año y el presupuesto que pedíamos no era alto. Para financiar “Línea de cajas” tuvimos que trabajar mucho para lograrlo, pero contamos con el apoyo de muchos activistas del proyecto anterior. Incluso conseguimos a través del voluntariado una ayudante de producción. Cada proyecto que hice en Panal, aprendí de la experiencia y fui sacando mis conclusiones. Hay que entender que no es plata gratis y la difusión es fundamental. Las recompensas deben genera el menor costo. Lo importante es establecer un monto lógico a recaudar y trabajar diariamente en difundir el proyecto.

Afiche oficial de la obra de Paula Baró.



"Línea de Cajas", de Emmanuel Medina con dirección de Paula Baró. Se presenta todos los domingos a las 20:30 hs. en Abasto Social Club (Yatay 666). Las entradas pueden comprarse a través de Alternativa Tetral o llamando a la boletería del teatro al 48617714.

Elenco: Armenia Martínez ("El Elegido", "Resistiré", "Lúcido" de Spregelburd, "Piel de chancho", "Medea", entre otras), Nacho Ciatti ("Alemania", Ganador del premio TRINIDAD GUEVARA 2011 como revelación masculina), Leandro Ibarra, María Camila Donato, Lucía Maciel, Antonella Querzoli y Carmen Roig.





“La obra no sería la misma sin la escenografía”

Aimé Malena Pansera es productora teatral y se encargó de financiar colectivamente la escenografía de la obra de teatro “Derrotero o las ausentes” a través de Panal de ideas. En su carrera fue asistente de la compañía de danza “Rara Avis” en Barcelona y dio clases de dramaturgia en la Sorbonne Nouvelle en París. El principal rasgo de su carácter es la simpatía y su principal defecto es la formalidad. Sus actores favoritos son Martin Wuttke, Analía Couceyro e Iván Moschner. Aquí, nos cuenta su experiencia con el crowdfunding.

Aimé Malena Pansera, productora de “Derrotero o las ausentes”.


¿La obra está basada sobre el Delta del Paraná y el universo de Haroldo Conti? ¿Por qué fue tan importante financiar la escenografía realizada por Félix Padrón?
Sí, nos basamos en eso para hablar sobre la ausencia, de la muerte, de la fantasía, de los sueños y del aislamiento. La obra no sería la misma sin la escenografía. Es fundamental porque ancla el universo de los personajes, el de un barco encallado en una isla de Paraná. Funciona como disparadora del ambiente y ayuda a lograr el tono, organiza el espacio y el tiempo. Felix además aporta una sensibilidad única con su dramaturgia y su actuación.

¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizan y cuál es el objetivo artístico?
Nosotros con el grupo Derrotero realizamos teatro en cooperativa, con apoyo institucional. Somos un grupo de artistas reunidos alrededor de la creación y con ganas de producir contenido diferente. El objetivo artístico del proyecto es la creación de lenguajes poéticos que produzcan la reflexión y la emoción en los espectadores que vean la obra.

Los actores sobre la escenografía de la obra, en medio de una escena.

¿Qué significa para ustedes que “Derrotero o las ausentes” esté exhibida en el Centro Cultural Rojas?
Es un gran honor para todos nosotros estar en el escenario de la mítica sala “Batato Barea”. El proyecto fue elegido a través de la convocatoria abierta que lanzó el Centro Cultural Rojas para su ciclo “Operas Primas”. Todos los que formamos parte del grupo estamos trabajando en proyectos a futuro. El director de la obra Juan Ignacio Bianco, está participando en una obra de teatro clásico en el Cervantes. Junto con Félix, el escenógrafo estamos trabajando bajo la dirección de Emanuel Ludueña, en el último trabajo de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea que se llama “Ensayo sobre el final del invierno”, que se estrena la semana que viene en la Biblioteca Nacional.

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas?
El trato con el equipo de Panal fue siempre directo, constante y muy amable. Nos sentimos muy apoyados y cuidados por los responsables de la plataforma. No dudamos nunca de la posibilidad de financiarlo, porque el aporte de los activistas fue bastante constante. La experiencia fue muy grata y exitosa, principalmente gracias al arduo trabajo de todo el equipo de Panal, así como del elenco y nuestros colaboradores en la recolección de fondos.

El equipo de “Derrotero o las ausentes” (De izquierda a derecha): Victoria Cipriota, Félix Padrón, Aimé Pansera (productora), Manuela Méndez y Verónica Mayorga, Matías Méndez (dramaturgo), Juan Ignacio Bianco (director).


“Derrotero o las ausentes” realiza funciones los viernes a las 22.30hs en el Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038) hasta el 24 de Mayo.








“Nos sorprendió que colaborara gente que no conocíamos. Fue 150% positivo”

Paula, Sabri, Jorge, Fio y Marian recaudaron $3.200 y montaron la obra Los Lindos.

Ya tenían casi casi todo para lograr el proyecto y producir Los Lindos . Contaban con las gestiones del equipo de trabajo Efímero para el armado de la obra, La Casona Iluminada aportaba el espacio para ensayar, el señor David Cardona había prestado su casa para realizar la investigación poética, el Club Cultural Matienzo asesoraba en cada necesidad y, además, tenían un subsidio del Fondo Nacional de las Artes para comprar la escenografía. Pero faltaba el vestuario y dinero no había.

Paula ya había ingresado al mundo del crowdfunding pero para colaborar con otros artistas, y esta fue su oportunidad. Conocía sobre financiamiento colectivo porque aporté en proyectos y me sentí bien haciéndolo, dice la actriz, que sin dudarlo apostó por Panal de ideas para llevar adelante el proyecto. Nos sorprendió que nos aportó gente que no conocíamos. Que decidió hacerlo porque es parte de la comunidad crowdfunding. Nos conocimos personalmente después y se generó algo muy rico. Hasta conseguimos un voluntario para ayudante de dirección. Fue 150 por ciento positivo, cuenta Paula.

Los chicos pidieron $2.400 para el vestuario de la obra y, gracias a 27 activistas, recaudaron $3.200, un 33% más de lo esperado. Los Lindos se estrenó a principios de julio y Paula resalta el esfuerzo comunitario. Esto tiene que ver con armar una red de cultura, con pensar las cosas en forma colectiva. Yo te apoyo un día, y vos otro. Es una filosofía sobre cómo se hacen las cosas. Los que aportan, se sienten parte de la obra, hay mucho apoyo y se arma un vículo, afirma la artista. Una filosofía crece más y más día a día.

“Nos recomendaron Panal y funcionó”

La compañía Circo Arriba recaudó $5.400 y montó su primera obra, Marea, gracias a 22 activistas.
Ocho artistas se agruparon en la compañía Circo Arriba y deseaban montar su primer espectáculo. Cruzados por un sentimiento vinculado a la autogestión, comenzaron a idear la obra Marea, cuyas funciones serían a la gorra. Alentada por esos valores, Amira se contactó con Panal de ideas para dar su primer paso en el financiamiento colectivo.

Llegamos a través de un amigo que los recomendó. Me dijo que capaz nos servía y, finalmente, fue así. Se lo planteé a la compañía y les pareció que podía funcionar. No conocía el crowdfunding, me lo contaron en la reunión y me pareció que estaba bueno, dice la artista quien admite que desconfiaba un poco de la herramienta. Al principio, no sabíamos si iba a andar y si la gente iba a colaborar pero funcionó bastante bien. Siempre poníamos la plata de nuestros bolsillos y con las funciones, recuperábamos algo. Pero esta vez teníamos más gastos de producción porque queríamos que estuviera mejor y eso significa invertir más, cuenta.

Gracias al aporte de 22 activistas, Circo Arriba recaudó $5.400 y pudo montar su primera obra, Marea. Con el dinero obtenido, los chicos confeccionaron numerosos trajes de vestuario, contrataron una sala de ensayo y hasta un herrero para que realizara una lámpara especial para el show.

Tenemos entre dos y tres trajes cada uno. Uno igual para todos, uno para cada personaje, y como tenemos una escena con luz negra, usamos vestuario negro con telas flúor que brillan en la oscuridad, enumera Amira.

Finalmente, Marea se estrenó en octubre con gran éxito en el Club del Trapecista y decenas de personas pudieron disfrutar de un espectáculo, parido del esfuerzo colectivo.

La compañía Circo Arriba en plena función de Marea.

↑ Arriba ↑