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“Panal, es una plataforma ideal para los artistas alternativos”

Nahuel Beade y Rodrigo Stettler son co- productores y co-directores del film La caída de los globos, un cortometraje del cual sobre financiaron la postproducción colectivamente por más de $9.500 a través de Panal de ideas. El film es una metáfora con tintes surrealistas sobre las etapas del hombre. Beade estudió cine en el ISCAA, en Santa Fe y actualmente es Director de fotografía de series (Quién mato al Bebe Uriarte), películas, publicidades y videoclips. Tiene su espíritu ansioso, es el principal rasgo de su carácter y su principal defecto. Sus héroes son los que tienen semillas en su espíritu. El cine para él es la mentira que no duele. Stettler está realizando su tesis de cine en el ISCAA, trabajó como reflectorista, asistente de escenografía (Fausto Criollo), además de cortos y micros musicales. El principal rasgo es que se amolda a los contextos y eso es un defecto. Está rencontrándose con su espíritu. El don natural que le gustaría tener es videncia y curación.

Nahuel Beade y Rodrigo Stettler, en plena filmación.


¿Cómo y cuando surge la idea del proyecto de cortometraje “La caída de los globos”?
Nahuel: “La caída de los globos” surge en el 2009 cuando, en presencia de Rodrigo y otros compañeros del instituto, teníamos que pensar un guión para rendir una materia. Pedí a mis compañeros que me dijeran tres palabras que sirvieran de disparadores y surgieron: globo, bala y niño. En mi mente apareció un fuerte impulso, una pequeña sinopsis y una sucesión de imágenes. Rodrigo le sumó elementos y recursos narrativos, hasta darle sentido y forma. Finalmente nos encontramos ante un guión que podía ser llevado a la pantalla.

¿Qué significó para ustedes ganar el premio del Instituto Audiovisual de Entre Ríos que les permitió llevar adelante la pre-producción y el rodaje?
Rodrigo: Significó por un lado la certeza de que el guión funcionaba y gustaba, y por otro, a pesar de que el dinero recibido no fue el que el Instituto se había comprometido a dar (solo recibimos $4.000 de $10.000), este monto nos sirvió para darnos el impulso de llevar adelante el cortometraje. Llegamos a participar de la convocatoria porque los concursos son la principal fuente de recursos para poder llevar adelante proyectos artísticos.

¿Cuáles son sus influencias y cómo trabajaron sobre el arte del cortometraje?
Nahuel: “La caída de los globos” es como un sueño, todos los elementos tienen un sentido más allá de lo que son, donde narran más los significados que los actos en sí mismos. El corto aparenta tener imágenes inconexas. Pero si vemos al revólver como un falo, y también como una herramienta que nos da la autoridad de obligar quien deja de ser niño, y quien deja de ser anciano, encontramos otra lógica. No sólo vemos una bala (representa espermatozoide) reventando un globo (simboliza un vientre), también vemos una bala despojando al niño de su madre. De este modo la estética del corto fue tomando forma, a partir del subtexto y de los símbolos. En cuanto a la escritura se denota una fuerte influencia de Alejandro Jodorowsky. En cuanto a la composición en los encuadres, hay influencias de películas de Park Chan Wook, principalmente de Old Boy.

¿Por qué es tan importante la postproducción de animación 2D Y 3D en la película?
Rodrigo: Es importante porque el proyecto lo exige en algunos detalles técnicos que requieren ser controlados desde la animación y la digitalización por computadora.

¿Cuál es su política y filosofía dentro de la productora? ¿La comparten con Panal?
Nahuel: Las bases de “Tertium Quid Producciones” son el arte y la creatividad por sobre todo. No tenemos límites ni censuras a la hora de elegir un formato para producir una obra o producto audiovisual. Esta filosofía es difícil de sostenerla, con un entorno que te dice como tenés que hacer las cosas. Panal, es una plataforma ideal para los artistas alternativos. En Tertium Quid nos inclinamos hacia producciones artísticas y nos gustaría evocarnos a un aspecto educativo. Se podría decir que la huella de Tertium Quid se encuentra en el uso de la fantasía como inspiración. Nos inclinamos hacia la realización de videoclips o materiales donde la música tiene presencia. Queremos que nuestros trabajos sigan una linealidad, que se ve afectada, por el contexto del trabajo que afrontamos.

Una escena tensa, de "La caída de los globos".


¿Por qué eligieron el financiamiento colectivo? ¿Cómo resultó la experiencia?
Rodrigo: Elegimos Panal porque “La caída de los globos” es un proyecto colectivo, cuyo contenido y escritura es alternativa. El financiamiento colectivo se complementa con nuestra ideología. Con respecto a la experiencia, hubo muchos estados vividos, que variaban a medida que el tiempo pasaba. En las últimas dos semanas faltaba un 40 % del monto para llegar al objetivo. Al final llegamos sobrepasando el monto, con mucha alegría.

¿Cuándo será el estreno oficial de “La caída de los globos”?
Nahuel: “La Caída de los globos”, al ser un proyecto realizado en Paraná, pero por gente de Santa Fe y Paraná, tendrá dos estrenos, uno en cada ciudad. En ambos lugares nos gustaría que el estreno sea en centros culturales independientes en donde podamos asegurarnos buena calidad visual y sonora. Los lugares estarán confirmados una vez finalizado el proyecto. Cada cosa a su paso.

“Finanaciar el proyecto fue un arduo trabajo en equipo”

Rosario Alfaro actriz y autora de Bestia, dispositivo para ser ella, una obra de teatro que sobre financió colectivamente su producción a través de Panal de ideas por más de $6000. Alfaro es Licenciada en Arte Dramático (USAL) y continúa su formación con Ricardo Bartís, Maricel Álvarez, Lorena Vega, Oscar Guzmán, Emilio García Webhi y Pompeyo Audivert, entre otros. Forma parte hace siete años del equipo de trabajo “Efímero” con el produce obra de teatro y el festival el “El porvenir”. El estado de su espíritu es inquieto e intenso. Su mayor desgracia sería la soledad. Su actor favorito es Klaus Kinski. El teatro para ella es un ritual, un exorcismo. Un actor para ella es la nada y lo es todo. Alfaro, junto a la directora Jimena Kroucco, nos contaron sobre la obra y nos respondieron sobre el financiamiento colectivo


Rosario Alfaro, encarna a Evita y es la guionista de la obra.


¿Por qué elegieron a Evita como eje central de la obra?

Rosario: Creo que Eva es uno de los ejes principales pero no el único. Por qué Eva, porque nos conmovió ELLA, pero no solo por su costado político, sino como mujer y por su condición de actriz. Es aquí donde engarzamos otra de las boyas que contienen y sostienen el trabajo, la condición de las actrices y en particular de Eva. De la bestia que la habita y la posee, de esta actriz de la obra que encarna a Eva y llegando al núcleo de la condición de Rosario Alfaro como actriz que encarna a otra actriz que intenta ser Eva Perón. En este sentido el trabajo oscila continuamente, es una obra móvil e inestable no solo en su concepto espacial sino también en el movimiento interno de actuación.

Jimena: Eva, es el habilitante, el posible, a través de ella, en su condición de Mito, nos permite sumergirnos en los interrogantes que plantea la obra, reflexionar sobre lo que nos interesa, que son las condiciones, procedimientos y mecánicas que se ponen de manifiesto al momento de producir actuación.

¿Cómo surgió la idea de realizar “Bestia, dispositivo para ser ella”?

Rosario: La idea surgió como germen en un seminario de montaje que tome hace dos años. Luego de generar este germen y una hipótesis, note que el trabajo trascendía la instancia de taller y que por lo tanto necesitaba y se merecía convertirse en obra, por su conmovedora condición. Es ahí cuando de forma imprescindible este trabajo necesitaba de un equipo que pueda llevarlo a cabo y convertirlo en obra. Ahí fue cuando convoque para la dirección a Jimena para construir el concepto y desarrollo del dispositivo escénico.

Jimena: Conversamos y me interesé por la propuesta, y rápidamente coincidimos en trabajar, y ese primer eslabón dio el origen de lo que hoy, luego de intensas y profundas horas de trabajo, es Bestia. La obra, trata sobre una actriz, que está intentando encarnar el personaje de Eva Perón y durante ese proceso, se plantea su propia condición de actriz, la condiciones de la actuación en general, (¿que nos ocupa en la tarea?), las condiciones de producción y de autogestión en el teatro independiente. El personaje (si se puede pensar en ¿personaje?) es La actriz Rosario/ Ella/ Eva.

¿Piensan que la filosofía independiente y comunitaria de la obra, tiene que ver ideológicamente con Panal de ideas?

Rosario: Por supuesto, la obra se autogestiona la técnica y proporciona los medios para poder subsistir y existir como tal, la obra es una excusa, un dispositivo para poder actuar. Panal de ideas es una página para poder autogestionar los medios de producción, para poder llevar a cabo un proyecto; elimina los intermediarios e invita a los futuros espectadores a formar parte del proyecto, a colaborar no solo en forma económica, sino también por medio del voluntariado. Tiende una red entre los futuros espectadores y los artistas.

Jimena: Coincidimos con Panal, y al carácter comunitario le sumaría en nuestro caso el carácter popular de la obra. Comunitaria, en el sentido de las redes sociales que se generan, Panal de Ideas, es y fue para el proyecto un “compañero”, y en eso estamos agradecidas.
Rosario y Jimena, junto al equipo de “Bestia, dispositivo para ser ella".


¿Cómo vivieron la experiencia del crowdfunding? ¿Dudaron que llegarían a financiarlo?

Rosario: Finanaciar el proyecto fue un arduo trabajo en equipo. Entre todos nos pusimos al frente de esta quijotada, como diría Jimena, pero también era muy gratificante ver cómo la gente se interesaba por la obra y valoraba nuestro trabajo. Dudar, si muchas veces dudamos pero en el último lapso de tiempo (los últimos 30 días de toda nuestra campaña) organizamos un plan de comunicación, subiendo información a nuestros Facebook personal, al de la obra. Tratando de llegar no solo a nuestros amigos/conocido sino también de llegar a los amigos/conocidos de nuestros amigos/conocidos, ampliando el circulo, y creo que eso nos ayudó a lograr el objetivo.

Jimena: La experiencia del financiamiento, fue más que interesante. Mucho trabajo, mucha insistencia y felices. Las personas allegadas, a las cuales les escribimos miles de mails, mensajes en las redes sociales, quedaban muy impactadas por la forma que existiese de financiar proyectos. Tuvo rápidamente repercusión y a las personas les daban ganas de colaborar, también por valorizar el trabajo que existe para pedir financiamiento, y las recompensas al ser una forma de retribución por la acción del activista, se generaba velozmente una empatía.

Realizaron el estreno de la obra en Agosto ¿Cómo les está yendo con el público?

Rosario: Las funciones están saliendo muy bien, también se completó el trabajo y crece función a función.

Jimena: Nos está yendo muy bien, la obra gusta mucho. Queremos que la vea todo el mundo. Son interesantes las diferentes percepciones. Un público más joven quizás se queda impactado con el espacio, con la actuación, con la propuesta en cuanto a lo estético y profundidad. Un público más longevo aprecia y valora al personaje de Eva, nos cuentan historias de cuando ella estaba viva, cómo era vivir en esa época, es emocionante lo que sucede.

“Bestia, dispositivo para ser ella”, realiza sus funciones los días jueves a las 22 hs en el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556), hasta el 17 de octubre.

“Panal es la esperanza de cualquier artista independiente”

María José de la Cruz es la productora de Ruleta Rosa, una obra de teatro que sobre financió colectivamente su producción a través de Panal de ideas por más de $4200. José de la Cruz nació en Chile y es Licenciada en Artes Teatrales y profesora de teatro. Su espíritu es libre y su carácter leal. Su principal defecto es que habla muy fuerte. Su mayor desgracia es no poder reír. Su héroe de la vida real es Shakespeare. El teatro para ella es felicidad y lo que más le gusta en la vida es el amor. Aquí, nos cuenta sobre la obra experiencia y su experiencia con el crowdfunding

María José de la Cruz, productora de “Ruleta Rosa”.



¿Cómo surge la idea de hacer “Ruleta Rosa”?
La idea surge del director Nibaldo Matura de hablar de la sexualidad hoy, de su vivencia y su subjetividad. Así comenzaron los actores comenzaron a jugar improvisando, tomando como fuente creativa la obra de Arthur Schnitzler (La ronda) para darle rienda suelta a la dramaturgia. Los actores así crearon sus propios personajes, explorando sus vivencias o fantasías sexuales. Tomamos la idea de Schnitzler por la temática sexual, los diálogos son pre y post sexo, donde los personajes muestran sus lados seductores y feos, al mismo tiempo.

En la obra el público comparte el mismo espacio con los actores. ¿Por qué les gusta experimentar el vínculo del actor con el público y buscan la intimidad?
El director, Nibaldo partió con la idea del espacio vacío, es la carga expresiva del actor y su cuerpo, su medio de narración. Ruleta Rosa nos introduce en situaciones no solo sexuales, sino íntimas, muy personales, es por eso que quisimos que el público estuviera cerca. A veces molesta, duele o excita. Creo que cómo colectivo “La Horrorosa” es una mixtura latinoamericana juguetona, desordenada, irreverente. Nos gusta hablar desde lo nuestro, ser pesados y portarnos a veces mal. Lo abordamos desde la experiencia, el director trabaja desde el desprejuicio y eso dio libertad a los actores.

¿Cómo se les ocurrió poner dentro de las recompensas clases de entrenamiento físico y un book de fotos?
En realidad pensamos en los costos y facilidad para poder realizar el tema de las recompensas y de ahí surgió la idea de ver qué servicio podía prestar cada uno de los integrantes. Claudio Campi nuestro fotógrafo ofreció los books y Sherry Denis, asistente de dirección y actriz especializada en diversas técnicas corporales ofreció los entrenamientos y nos pareció que podía tener relación con parte de la obra y el target al que apuntamos.

El elenco, junto al director. De izquierda a derecha: Sebastián Fiaño, Andrés Charcape, Nibaldo Maturana (director), Christian Nieves, Ariel Sandez y Mirko Paredes.


¿Cómo su experiencia con el financiamiento colectivo?
Me comentaron de panal, luego me contacté con Patricio Sabatini, el director y luego con Ivanna Fridman, la encargada de desarrollo de proyectos y me contaron como era el funcionamiento. Me pareció una idea genial. Panal es la esperanza de cualquier artista independiente. Además es una idea hermosa, nos da esa sensación de colectividad, que está buenísima. Jamás dudamos de financiarlo.

En el voluntariado consiguieron postulantes para el diseño y la difusión del espectáculo. ¿Cuál fue el resultado?
Jamás pensamos que la gente se postularía y tan rápidamente, fue increíble. Además aún seguimos trabajando con Ale Goldin, que ya es parte del equipo y que nos está haciendo todo el diseño gráfico de RULETA ROSA.

¿Recomendarías Panal de ideas?
Por supuesto, agradezco la paciencia, el seguimiento y evaluación que le hicieron al proyecto, la disposición y el tiempo. El trato personal y humano fue una bella experiencia. Agradecemos muchísimo todo el trabajo que hacen prácticamente gratis en pos de proyectos de otros.


"Ruleta Rosa", dirigida por Nibaldo Matura, se presentará a partir del 26 de septiembre todos los jueves a las 21 hs. en Espacio G104 (Gascón 104).

“Panal nos permitió mostrar lo que hacemos de una manera clara y fácil”

Alejandra Virkel es la productora del largometraje musical Bien de familia, que financió colectivamente su producción general a través de Panal de ideas por más de $18.600. Virkel realiza trabajas académicos en la UBA. Se desarrolla laboralmente en fotografía de producto y grabación de audiovisuales para eventos sociales y empresas. El estado de su espíritu es inquieto. El principal rasgo de su carácter es la ansiedad. La cualidad que desea y una mujer es el humor. Su principal defecto es la inseguridad. Quisiera ser alguien que tome riesgos más seguido. Detesta la impuntualidad y ama La Patagonia. El cine para ella significa sumergirse en otra realidad. Lo que más le gusta es reír a carcajadas y cantar. Aquí, nos cuenta sobre el crowdfunding.

Alejandra Virkel, productora de "Bien de familia".



¿Por qué hacer un musical, sabiendo que en el país hay pocas apuestas al género?

Con nuestro grupo de trabajo, para el trabajo final de nuestra carrera (Diseño de Imagen y Sonido, en la UBA), queríamos hacer un largometraje musical. Nos parecía que era un género que, dentro del cine, no había sido muy explorado en el país. Por eso nos dispusimos a pensar una historia que combinara el musical con otras temáticas que nos identificaran como jóvenes estudiantes argentinos. A grandes rasgos, “Bien de Familia” trata sobre los hermanos Cedrone. Olivia (la del medio), y Vicky (la menor), viven en un pueblo. A partir de la muerte de su padre, se ven obligadas a volver a convivir con su hermano mayor, Marcos, que ha vuelto luego de vivir en Buenos Aires por los últimos 15 años. Para poder sobrellevar la pésima situación económica en la que se encuentran, deberán remontar la herencia que su padre les ha dejado: un Trencito de la Alegría. Juntos aprenderán que la unión familiar es más fuerte que sus objetivos personales.

El corto ficcional “Nadie canta sobre viejas” retrata la historia de unas abuelas que cantan sobre la vejez. ¿Por qué el contenido es tan atípico y bizarro?
Nuevamente, el disparador fue el corto final que debíamos hacer para el segundo año de Diseño Audiovisual. El grupo de trabajo es casi el mismo. Pensando acerca del guión, y la historia, surgió el mundo de los geriátricos como algo interesante para explorar. Pero ninguno de nosotros podía aportar una mirada realista sobre los asilos para ancianos. Cada uno había ido en contadas ocasiones para visitar a algún familiar, y ahí se terminaba nuestro conocimiento. Por esa razón, fue que decidimos tomarlo desde un lado más bizarro. Íbamos a construir nuestra propia realidad acerca de un asilo.

¿En la productora “De arriba contenidos” tienen un objetivo artístico que siguen o trabajan a pedido para cada proyecto en particular?
Los integrantes de “Dearriba” compartimos esta pasión por los musicales. En este momento el objetivo artístico es ese, poder desarrollarnos en cine, teatro, u otro medio. Si bien “Bien de Familia” podría considerarse una consigna externa, lo que nosotros nos propusimos va más allá de cualquier trabajo académico. Tenemos la suerte de poder contar con el apoyo de la cátedra, que nos permite darle para adelante en este proyecto.

¿Ustedes creen que el género musical puede apuntar a ser visto por el gran público o siempre apuntará a los que realmente disfrutan los musicales?
El género musical tiene un público bastante segmentado. Pero a juzgar por lo que se vive en la escena teatral porteña, vemos que los musicales son cada vez más visitados. En el círculo comercial y en el teatro off. Cada vez más gente se anima a dejar los prejuicios que tenía en un comienzo para poder disfrutar de una gran experiencia. De la misma manera, películas reciente de Estados Unidos musicales han tenido una gran recepción dentro del público. No es exactamente el tipo de película que buscamos en “Bien de Familia”, pero demuestra que el musical no es algo a lo que el gran público le escapa.

Consiguieron un catering para trasladar a Alberti. ¿Cómo resultó esa experiencia?
La recepción en general del proyecto superó nuestras expectativas. No sólo con el voluntariado o el aporte económico, sino también con la respuesta que teníamos en círculos de gente que no frecuentábamos. Panal nos permitió mostrar lo que hacemos de una manera clara y fácil. Nos pasó que quizás íbamos a alguna reunión o evento social y nos preguntaban si nosotros éramos los de “Bien de Familia”.

El equipo de “Bien de Familia”. ARRIBA, de izquierda a derecha: Antonella Scoccimarro (asistente de casting), Florencia Lovaglio (Coach Vocal),Tomas de Dominicis (Montajista),Eugenia Fontana (Directora). ABAJO, de izquierda a derecha: Martina Gruppalli (Directora de Arte), Brenda Taubin (Foto Fija), Ale Virkel (Productora) y Javier Biglieri (Director de Fotografía)



Cuando el proyecto avanzaba, iban publicando las actualizaciones en el Facebook ¿La diagramación de la campaña fue pensada o fueron más intuitivos?
Creo que la gran respuesta que tuvimos no hubiese sucedido sin la ayuda de esta plataforma y de las redes sociales como Facebook y Twitter. La campaña que hicimos nos sirvió no sólo para dar a conocer el proyecto, sino también para cuestiones específicas como el Casting. Gracias a la difusión, la convocatoria fue excelente. Si bien tuvimos que hacer una selección, nos sorprendimos por el número de personas que se contactó. La campaña no fue planeada, pero teníamos algunos puntos claros desde el principio. Por ejemplo, quisimos que los activistas de Panal pudieran ser reconocidos también en Facebook. De esa manera le dábamos movimiento a la página, e incentivábamos al resto de la gente a aportar.

¿Cómo resultó la experiencia con el financiamiento colectivo?
La ansiedad de llegar o no llegar, siempre está. Si bien teníamos incertidumbre, también sabíamos que contábamos con amigos y familiares que nos podían ayudar. De todas maneras, nos llamó la atención la cantidad de gente que aportó (40 Activistas), ya que se salían de nuestro círculo más cercano.

¿Cuándo realizarán el estreno oficial de la película? ¿Se podrá ver en los cines?
El pre-estreno está planeado para marzo. Allí se presentará la película a todos nuestros activistas, familiares, amigos, etc. Luego de eso tenemos planeado mandarlo a distintos festivales nacionales e internacionales. Por ahora no tenemos en vista un estreno comercial.




“Ser artista es un proceso de creación entre la consciencia y la inconsciencia”

María Chevalier es la creadora de PortodosladosMaría y financió colectivamente a través de Panal de ideas su propia marca de objetos y diseños por más de $9100. Chevalier se recibió de escenógrafa, vestuarista y directora de arte en el Instituto Saulo Benavente. Estudió dibujo con Juán Boán y un tiempo “Artes Combinadas” (UBA) y “Diplomatura en títeres y objetos” (UNSAM). En paralelo crecían los encargos de dibujos, ilustraciones, diseños e invitaciones para exponer, entonces decidió dedicarse al dibujo y empezó a realizar una muestra cada dos meses. Luego comenzó a cursar la Licenciatura en dibujo (IUNA), que realiza actualmente. En escenografía trabajó con bandas como “Don Maurón”, “Ginkgobiloba” y “Sig Ragga”. También en teatro trabajó con “Emiliano Dionisi”, “Deborah Warren” y “Carlos Di Pasquo”, entre otros. Sus artistas plásticos favoritos son los que se comprometen. Ama mirar el mar y odia que se tapen las bombillas del mate. Lo que más le gusta de la vida es que a veces parece un chiste. Su primer amor siempre estuvo en la transformación del material de desecho y en hacer con poco. Aquí, nos cuenta su historia.


María Chevalier, dibujando.



Oficialmente, comenzaste a dedicarte a las artes plásticas y la ilustración hace tres años, pero en realidad lo hiciste desde siempre. ¿Te acordás de tu primer dibujo?
No. Recuerdo echarme sobre la alfombra de mi abuela y dibujar. A los 6 años, seguro. Imposible recordarlo. Igual todos los niños dibujan y pintan, lo raro es encontrar adultos que se entretengan con eso.

En tu marca intervenís diferentes materiales como papel, madera y plástico ¿Cómo se te ocurrió la idea y con qué obstáculos te encontrás cuando lo hacés?
No hubo idea realmente. Un día una amiga me dijo "quiero una remera con tus dibujos", otro día un amigo me dió el pickguard de su guitarra y me preguntó si quería dibujar en ella. Sucedió solo. El obstáculo más difícil de superar es el de venderse.

¿Cómo surgen los personajes? ¿Cuánto de influencia tiene tu propia vida?
La verdad, no tengo idea cómo aparecen los personajes. Aprendí a dibujar dejándome guiar por el espacio vacío entre cada línea. Recién hace más o menos un año que mis trabajos comienzan con una idea precisa que se lleva a cabo. Antes se trataba simplemente de comenzar a hacer líneas hasta que del propio dibujo me nacía una idea. Un proceso de creación entre la consciencia y la inconsciencia. Indudablemente mis vivencias son parte de ese proceso.

Trabajaste como escenógrafa y realizaste vestuarios para teatros y cortometrajes. ¿En que se diferencian las artes plásticas con respecto a las demás artes?
Ser artista es un proceso de creación entre la consciencia y la inconsciencia. Toda actividad puede ser arte. Todo forma parte de lo mismo.

El maravilloso mundo de “PortodosladosMaría”.


¿Cuáles son tus influencias en tus diseños?
Siempre amé a Quino, a Mordillo, a Caloi. Me dejó muda descubrir a Escher y mi abuela se transformó en mi ídola cuando me regaló un libro de pop up inmenso, con miles de puertitas y ventanas que se tridimensionaban al abrirlo."El Quillet de los niños", las ilustraciones de Vilar en los libros de María Elena Walsh y los cortos de "Caloi en su tinta", siempre me gustaron. También me pasó de descubrir de grande a montones de artistas que ya había visto antes, pero cuyos nombres no conocía: Nine, Breccia, Sacafati. Carlos Alonso, Dalí y Picasso, las máquinas del movimiento futurista. Ahora llegó a mis manos un libro de Alejandro Sirio que es increíble y una colección inmensa de revistas Cimoc. También me inspira una mancha en la pared, la firma en el boletín de tus viejos, la caligrafía de la abuela, los jeroglíficos de las notas de mi abuela, la sombra de un saco en la oscuridad, porque parece un monstruo con tentáculos y espalda gigante. Las influencias son infinitas.

¿Por qué elegiste el financiamiento colectivo para financiar tu proyecto?
Porque una amiga trabaja en eso, me invitó a una charla informativa sobre financiamiento colectivo y cuando surgió la necesidad de agrandar la marca parecía perfecto, porque desde la venta de mi primer dibujo todo lo que hago viene siendo apoyado y gestionado por la gente que me rodea, que me hace encargos, que me compra. No soy yo, sino los demás.

¿Por qué te dedicás al arte?
Porque sino creo que podría explotar.

¡ Vos podés colaborar con este proyecto! Entrá acá y ayuda a María a completar su meta: http://panaldeideas.com/proyectos/portodoslados-maria/

“El voluntariado es muy útil y la forma de contacto es inmediata”

Benjamín Landaburu es diseñador, fotógrafo y es el productor/director creativo de la serie web “Lado C”. Utilizó el voluntariado de Panal de ideas para conseguir tres integrantes que se incorporaron al equipo de trabajo de la comedia. Ahora, quiere subir un proyecto para financiar la sitcom.

Benjamín Landaburu utilizó con éxito el voluntariado de Panal de ideas.



¿Para qué utilizaste el voluntariado de Panal y con qué objetivo?
Cuando lo conocí aún estábamos terminando de armar el equipo para la serie web y teníamos que cubrir algunas áreas donde nos faltaba gente con conocimientos específicos por lo que empecé a escribir explicando el proyecto y enseguida empecé a tener respuestas productivas.

¿Cuál fue el resultado? ¿Crees que funciona la herramienta?
Fue totalmente óptimo ya que en la actualidad hay tres integrantes, de los 35 que somos, que forman parte del equipo cumpliendo roles necesarios para el desempeño del proyecto. El voluntariado es muy útil y la forma de contacto es inmediata. Solo hay que enviar un mensaje y se te informa por mail al recibir la respuesta.

¿De qué trata la serie "Lado c"? Contanos sobre los personajes.

Es una serie online de formato sitcom que se puede ver a través de www.ladocserie.com, combina historias de amistad y diversidad. Se trata de 6 amigos muy diferentes entre sí, que viven en Buenos Aires y forman un grupo extremadamente cercano con códigos que los hacen únicos. De alguna forma naturalizamos el ridículo y exageramos lo cotidiano. Nos interesa partir de ciertos clichés para después poder romperlos dando otra forma de ver las cosas.

El equipo de producción de la sitcom "Lado C".


¿Tenés pensado financiar subir el proyecto a Panal para financiarlo?
Sí. Tenemos pensado subir el proyecto debido que lo estamos autofinanciando y el alquiler de equipos es costoso. Es una buena opción para no demorar los rodajes.

¿Recomendarías ofrecerse y buscar proyectos a través del voluntariado?
Cuantos más voluntarios, mas proyectos van a poder hacerse y muchas personas se van a animar a cumplir esos proyectos que a veces solo quedan en un cajón.

¿Crees en la producción de proyectos en comunidad?
Siempre pensé que los proyectos en comunidad son funcionales y después de mi experiencia personal no me queda ninguna duda. Hay que eliminar los prejuicios y dejar de creer que es difícil conseguir personas capacitadas que se van a comprometer y aportar, porque en la práctica uno se sorprende para bien.

“Junte el 70% del dinero en ocho días”

Fran Ruiz Barlett es el creador de “Algo más”, un disco interpretado por cantantes de teatro musical. Para producirlo físicamente de manera colectiva en Panal de ideas, tiene que conseguir $10.000 y ya reunió más $6.900 rompiendo todos los records, en ocho días. Todavía 52 días para llegar a su objetivo. Barlett es actor, cantante y músico. Se formó con Carlos de Urquiza, Manuel González Gil y Pompeyo Audivert. En teatro musical con Pepe Cibrián y Nicolás Pérez Costa. Aquí nos revela que “no existe estrategia” y para “llevar adelante un proyecto hay que tener plena confianza en él” y es “un laburo de todos los días”.

Fran Ruiz Barlett es actor, cantante y músico.


¿Cómo lograste que tu proyecto recaude el 70% en menos de una semana?
No planeé ninguna estrategia. Para llevar adelante un proyecto hay que tener plena confianza en él. Y esa fue la primera razón que me movilizó. Junte el 70% del dinero en ocho días. Creo que eso no habla del producto en sí, sino también de muchos años de ponerle el pecho a la situación. Si hubiera una estrategia de respaldo estaría más ligada a mis elecciones personales. Una de las mayores razones que moviliza a los activistas es que es un proyecto comunitario, tanto por los enormes cantantes que grabaron como el apoyo de una fundación tan importante hoy día, como es la “Fundación Sí”. Yo asumo que, en su mayoría, deben haber visto un dejo de esa confianza de la que hablo cuando les propuse formar parte de esto. El mayor consejo que le podría dar a alguien que quiere llevar su proyecto adelante es: confiar. No hablo de un auto convencimiento, sino de un verdadero análisis de lo que se está queriendo gritar, contar o vender. Es muy lindo cuando uno empieza a ver gente que no conoce sumándose a un proyecto así, es inevitable pensar: algo bueno está pasando.

¿Por qué elegiste Panal de ideas? ¿Te gusta el espíritu del financiamiento colectivo?
Lo elegí para promocionar mi proyecto, me habían hablado bien de la página y su propuesta coincidía con lo que estaba buscando. Siempre pensé que la gente quiere colaborar y no sabe cómo, ni en dónde hacerlo. Hay mucha desconfianza y es entendible. Pero esta bueno que existan estos espacios que le proporcionan al artista realizar su proyecto y le permiten a la gente colaborar con confianza.

Una vez que el disco sea vendido, donarás el 50 % del valor a la "Fundación SI". Sos el primer artista de Panal que tiene ese tipo de iniciativa, ¿Es una decisión colectiva?
Si, totalmente. Cuando me comuniqué con Manuel Lozano, uno de los fundadores de “Fundación Sí”, tuvimos una charla muy divertida al respecto. Con él también nos conocíamos indirectamente pero nunca habíamos cruzado más que simples saludos cotidianos. Y cuando lo llamé y le empecé a contar lo que quería hacer le dije en textuales palabras: “Yo empecé a hacer arte porque quería cambiar el mundo”. Charlamos un poco más y en seguida concordamos en hacerlo. La verdad es que también creo que era un lindo gesto para con todos los cantantes que colaboraron. Un gran amigo siempre dice que si los artistas trabajamos en base a la estética primero deberíamos mirar la estética de nuestro entorno. Es claro que el mundo necesita un cambio. Todos lo sabemos. La pregunta es qué sirve más: la queja o la acción.

¿Podés adelantarnos algo más de la recompensa que incluye tu “Súper show íntimo”?
El “Super show íntimo” (el nombre es tremendo) es un concierto pensado para Marzo más o menos. En un teatro que ya tengo apalabrado, la idea es presentar algunos de los temas del segundo disco (que ya estoy grabando) como muestrario de lo que se viene. Con algunos de los cantantes que se vienen en el segundo. ¡Imperdible!

¿Del voluntariado se contacto alguien para darte una mano con prensa y difusión?
Si por suerte ya tengo un voluntario para hacer prensa y difusión de este primer disco, pero abro también el espacio para que quién crea que puede darme una mano, que se sume.

¿Estás ansioso para concretar tu meta? ¿Pensás que va a ser posible financiarlo?
Los primeros dos días actualizaba la página de Panal de Ideas cada dos minutos. Después me di cuenta que faltaban 58 días así que intenté relajarme. Aun así nunca pasé más tiempo en la computadora que desde que empecé con este delirio. Sí, confío mucho en el proyecto y estoy seguro que la gente me va a dar una mano para financiarlo.

¿Cómo vivís el día a día con tu proyecto en Panal?
Lo vivo con mucha alegría, la verdad es que aún no caigo que en tan poco tiempo haya sumado tal cantidad de dinero. Todavía me asombra cada vez que entro a la página. Es un laburo de todos los días, pero creo que así es un poco el trabajo de los que hacemos arte off (por llamarlo de alguna manera). No solo somos nuestros propios gestores sino también nuestros propios vendedores, y esta última suele ser la tarea más difícil. Pero hay que hacerla.

¿Estás haciendo alguna obra de teatro en este momento?
¡¡¡Pues claro!!! Los lunes a las 20.30 hs estoy haciendo una obra hermosa que se llama “Te Quiero hasta la Luna” en La Mueca, un teatro en Palermo (Cabrera 4255). Es una obra imperdible, y se los digo de verdad. Por otro lado estamos por traer “El Loco de Asís” a capital. Ahora somos una cooperativa para llevar adelante este obrón de Manuel González Gil y Martín Bianchedi. Pronto van a escuchar sobre nosotros.

¡Vos podés colaborar con este proyecto! ¡Entrá a "Algo más" y ayudá a Fran a lograr que su proyecto sea exitoso!

“La experiencia fue muy buena”

Nicolás Hochman es el director de la sexta edición de “Casquivana”, una revista que sobre financió colectivamente su impresión en papel a través de Panal de ideas por más de $6400. Hochman es historiador, doctoraDO en Ciencias Sociales (UBA) y es consejero editorial en “La mujerdemivida e integra el Grupo Alejandría. Escribió novelas, guiones, artículos académicos y libros. Su principal defecto es la obsesión por los detalles Su ocupación preferida es leer y jugar con su hijo. Su mayor desgracia sería alcanzar todas sus expectativas. Sus escritores favoritos son Kundera, Márai, Gombrowicz, Soriano, Morábito. Ama la bondiola a la parrilla y quisiera congelar el tiempo. No sabe qué es un escritor. Aquí nos cuenta sobre la revista y el crowdfunding.

Nicolás Hochman, director de revista “Casquivana”


¿Cómo surge revista Casquivana, en qué contexto y porque se llama así?
La revista nació en 2010, un poco como deseo y necesidad de generar un espacio nuevo, en el que pudiéramos volcar algunas ideas, transmitir algunas maneras de entender la literatura y demás. Le pusimos "Casquivana" porque es una palabra muy linda, muy poco usada, fuerte, que hace referencia a una persona que es ligera de cascos, que se toma la vida con relax, sin imposturas. Y algo de eso queremos hacer con la revista: trabajar con universos culturales sin las poses que muchas veces tienen las revistas. Por supuesto, esto es una pose más. Cuando empezamos a armar el número 0 no sabíamos qué bajada darle a la revista. ¿Revista literaria? ¿Revista de cultura? Todo lo que se nos ocurría estaba usadísimo. Entonces Clara recordó que en sus revistas Abelardo Castillo ponía una frase, una idea de algún escritor, algo que estuviera bueno. Hijos de esa tradición, estuvimos buscando un tiempo, hasta que apareció Bajtín. En principio iba a ser por un solo número, pero al final esa idea de lo inconcluso nos terminó dando una identidad y se convirtió en el eje vertebrador. ¿Por qué? Porque creemos que para que haya deseo tiene que haber espacio, vacíos, un poquito de nada cada tanto, incompletud, inconclusión.

¿Quiénes hacen Casquivana y cuál es el espíritu de la revista?
En este momento los que hacemos Casquivana somos Clara Anich (editora), Natalia Kiako y Manuel Crespo (consejeros editoriales), Melina Vergara (diseñadora) y yo. Por el staff pasaron otras personas, amigas todas, que siguen participando de un modo u otro. Y en definitiva hay que incluir a todos los que escribieron notas o participaron con ilustraciones, que son un montón. Con respecto al espíritu de la revista, creo que lo importante para nosotros es hacer una publicación que sea interesante, inteligente, que den ganas de leer y mirar. Y tocar.

¿Cuál es el contenido de Casquivana 6 y porqué conviene comprarla?
Me encantaría dar argumentos de por qué comprarla, pero la revista se agotó el día del lanzamiento. Tal vez hagamos una reimpresión, pero no es algo que nos preocupe mucho: el papel es un fetiche, un objeto de colección. Sí, sin embargo, les puedo dar argumentos más que sostenibles para que ingresen a la web y la lean (o descarguen o reenvíen a amigos, o impriman) de manera libre y gratuita desde www.casquivana.com.ar. Casquivana 6 viene con una nota de tapa acerca de las obsesiones, en las que participan Margarita García Robayo, Conrado Geiger, Guillermo Roz y María Inés Krimer, con ilustraciones de Gabriela Thiery, Alexis Stamboulis, Pablo Martín, José Villamayor, Vanina Klinko y Leticia Paolantonio. En la misma nota hay además un montón de obsesivos que narran de manera muy concreta por qué hacen lo que hacen: Dolores Fernández, Hernán Panessi, Sebastián Chilano, Sol Echevarría, Pablo Giordano, Juan Guinot, Inés Garland, María Nahal, Isaías Chávez, Sol Oliver, Agustina Bazterrica, Ariel Pichersky, María Schwartzer, Sebastián Lidijover, Jimena Rodríguez, Juan Manuel Candal, Natalia Ginzburg, Adrián Gualdoni, Mariana Komiseroff y Gabriela Urrutibehety.
Hay además cuentos de Tomás Downey, Marina Macome, Alejandra Kamiya y Martín Jali (ilustrados por Horacio Petre, Pablo Rivas Mambo, Mariana Belemlinsky y Fernando Sawa). Las columnas (probablemente la parte más casquivana, más divertida) se las pedimos a Franco Torchia (Cupido), Marcelo Luján, Carolina Marcus, Ángel Berlanga, Marcos Crotto, Marina Arias, Fernando Linetzky, Luis Othoniel Rosa, Alejandro Ferreiro, Natalia Zito y Gilda Manso. Hay poesías de Jimena Arnolfi, Alejandro Crotto y Fernanda Nicolini (ilustradas por Pabo Olivero, Belemlinsky y Paolantonio), crónicas de Panessi y Fernando Chulak (con imágenes de Darío Mekler y Luis Castiblanco) y varias reseñas de libros.
La revista es de muy fácil lectura, muy atractiva visualmente y, lo más importante, cuando terminen de leerla van a tener un montón de temas de conversación nuevos.

Evento de presentación oficial de “Casquivana 6” en Café Vinilo, al que fueron más de 70 personas.


¿Existe alguna conexión entre la revista y la filosofía del financiamiento colectivo?
A mí me parece que hay una asociación muy clara, pero no necesaria, y es que existe una complementariedad realmente linda. Hace un tiempo un psicoanalista francés muy grosso me dijo que el psicoanálisis subvertía la lógica del capitalismo, porque uno paga por trabajar. Yo creo que con Casquivana pasa algo muy parecido, porque no solamente no ganamos plata con esto, sino que terminamos invirtiendo una suma que sabemos no se va a recuperar. Ahora, claro: ganamos otras cosas, que son las que nos importan en este caso. Y ahí es donde entra el financiamiento colectivo, por lo menos en esta ocasión, como una manera creativa, moderna y muy sencilla de poder equilibrar esa misma lógica capitalista que dice que sin dinero no hay producto. Acá hay dinero, hay producto, pero el canal es muy diferente al habitual, y eso es estimulante para muchos, como quedó demostrado en la práctica. La experiencia fue muy buena. La gente de Panal estuvo muy atenta a cada paso y demostraron una notable obsesión por cada detalle, algo muy acorde no solamente con la tapa de Casquivana, sino también con lo que estábamos buscando. Nuestros activistas realmente estuvieron muy presentes, y estamos recontra agradecidos a todos ellos, y a los que nos dieron una mano con la difusión, que fue fundamental. El crownfunding nos ayudó mucho a poder solventar esta edición. La gente lo tomó muy bien, se divirtió, conoció una manera nueva de apoyar un proyecto ganando algo a cambio.

¿Por qué eligieron Panal de ideas?
Conocíamos la página por varios proyectos a los que nos habían invitado a participar como activistas. Yo, personalmente, soy un poco paranoico y a priori desconfío de todo lo que no conozco. Pero pasaba el tiempo y Panal seguía estando ahí, sumando proyectos exitosos, y no escuché nunca una queja. Fue fundamental hablar con gente amiga que pudo concretar sus propuestas financiándolas desde Panal, y que nos recomendó explícitamente seguir ese camino. Eso es lo que hicimos, nos fue muy bien, y ahora nos toca a nosotros recomendar Panal de Ideas y decirle a los desconfiados del mundo que prueben, que a nosotros también nos fue muy bien.

¿A partir de qué día y en qué lugar se podrá comprar Casquivana en papel?
La revista ya está agotada en papel, pero la pueden descargar gratis en pdf, o leerla directamente desde la página web: www.casquivana.com.ar




“Varieté Brutal es un viaje por la cruda realidad de la vida”

Matías García (productor) y Julián Sierra (director) son los creadores de Varieté Brutal 4, una obra de teatro que sobre financió su monto inicial de $8700 y logró conseguir $10.000 para vestuario, escenografía y utilería a través de Panal de ideas. Varieté es un espectáculo donde conviven animales, seres imaginarios, casos policiales, cine y noticias. García como productor teatral se formó con Gustavo Shraier. Además es locutor, boy scout desde los 12 años y se formó con Fernando Peña y Eduardo Aliverti. Su espíritu es apasionadao, quisiera ser hobbit por un día y su desgracia sería que fuera invierno todo el año. Sierra se formó como actor y director con Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti, entre otros. También es cantante, escribe guiones y es boy scout desde los seis años. Trabaja en obras de teatro, musicales, publicidad y radio. Realizó una temporada en el teatro York Royal Theatre, en Inglaterra. Su espíritu es volador y rebele. En una entrevista divertida, nos cuentan su experiencia a través del crowdfunding:


¿Cómo y dónde surgió la idea de Varieté Brutal?

Julián: Eramos scouts con Matías y teníamos 15 y 17 años. Habíamos perdido la elección de nuestro proyecto en un concurso. Matías había trabajado como loco en una idea: una jornada con discapacitados en la Quinta Trabuco en Vicente López, nuestro barrio. Laburamos día y noche. Matías puso su fuerza, su compromiso ciego, su lealtad con buenas causas. Ese año perdimos el concurso, Matías lloró y nos abrazamos. Ocho años después, en el 2009 estrenamos Varieté Brutal, un espectáculo de humor y denuncia.

¿Cuál es la historia y los personajes que integran Varieté Brutal 4?
Julián: Varieté Brutal es un viaje por la cruda realidad de la vida. No hay una historia, hay un momento entre los artistas y la gente. Mechamos distintos números de humor denunciando las cosas que queremos que la gente entienda.
Matías: El espectáculo es divertido, mágico y bizarro porque es igual al mundo real. Varieté se estrenó con cajas, sillas, ropas y cosas que nuestras familias donaron. Compramos algunos objetos en Once y otros en el barrio chino. Así, con tan solo $400 estrenamos en 2009. Hoy contamos con un presupuesto para gastar, un regalo de la vida.


Julián Sierra y Matías García.


¿Qué buscan y cuál es el objetivo artístico de Varieté Brutal 4? ¿Cuáles son los temas que denuncian y por qué buscan la reflexión?
Julián: Buscamos una identificación con el público, un vínculo. No nos interesa agradar. Nos interesa tener personalidad. Nuestro objetivo como artistas es contar bien las historias. Queremos cavar en la crueldad del mundo hasta que de risa. Mostrar clásicos como la Novicia Rebelde tomando cerveza y mandando a los niños a trabajar a la calle.


Julián Sierra, el director de Varieté Brutal


¿Cómo se les ocurrió la recompensa de la “cena brutal” y la posibilidad de que los activistas formen parte de la obra con un personaje bizarro en un sketch?
Matías: Todos los años, al terminar la temporada, solemos hacer una cena o fiesta muy divertida con todo el staff de Varieté para celebrar el año de trabajo. Este año nos parecía mega invitar y agasajar a aquel activista que apostaba y confiaba en nuestro proyecto, comprando una de las recompensas más caras. Con respecto al personaje bizarro, al ser un espectáculo de muchos sketchs, Varieté tiene muchas posibilidades para que el público pueda participar con un personaje en casi todos los números.

Se postularon varios asistentes de producción a través del voluntariado. ¿Cómo resultó esa experiencia, ya eligieron a los postulantes?
Matías: Una buena posibilidad de conectarse con gente que tenga ganas de aprender, ganas de hacer y ganas de vivir la experiencia que uno puede ofrecerle con su espectáculo. Vamos a elegir sobre todo a alguien que tenga ganas para cubrir un rol de Asistente de Producción, para que nos de una mano durante las funciones. La máquina de humo la conseguimos gracias a un amigo de la infancia de July, le decimos “Jabón”, que nos mando un mensaje directo a la mensajería de Panal de ideas. Muy loco.


Matías García, el encargado de producción de Varieté Brutal.


¿Cómo resultó la curadería de “Recursos Culturales”? ¿Piensan que les sirvió concretamente?
Matías: Muy buena, nos dio la posibilidad de llegar a muchísima gente que no conocía nuestro espectáculo. Muchos fan’s nuevos en nuestra Fan Page de Facebook, gracias al apoyo y difusión de parte de Recursos Culturales.

¿Qué les pareció la experiencia del financiamiento colectivo? ¿Dudaron de que lograrían financiarlo?
Matías: Muy buena, sobre todo la repercusión y el aporte entre nuestros fieles espectadores. Las ganas de aportar de las familias y amigos de los chicos del elenco y producción. El apoyo incondicional de todos ellos lleno de amor y alegría el espíritu de Varieté Brutal. Durante los 60 días pasamos por millones de estados: Muy cebados y ansiosos al comienzo. Con muchos miedos y desconfianza de llegar al 100%, promediando los 30 días del proyecto, y mucho entusiasmo y fuerza llegando al final. Planeamos estrategias para “cosechar activistas” en corto plazo. Mucha difusión. Todo salió para adelante.

El elenco de Varieté Brutal. Arriba (de izq a der): Andrés Passeri - Julían Bass - Luana Pascual - Julían Sierra. Abajo (de izq a der): Tati Martinez - Francisco González Gil - Vicky Condomi



La cuarta temporada de "Varieté Brutal", con dirección de Julián Sierra, se presenta a partir del sábado 21 de septiembre, todos los sábados a las 00hs (hasta el 21 de diciembre). A finales de Agosto se podrán comprar las entradas a través de www.tuentrada.com

“Con mi obra busco rescatar la burla, lo absurdo y el humor inteligente”

Brenda Costa es la directora de “Delia o la Noche de las flores”, una obra de teatro que financió colectivamente su vestuario y parte de la escenografía a través de Panal de ideas. La historia narra la vida de Delia, una escultora italiana cuyo matrimonio está en declive. Costa es licenciada en Actuación (IUNA), se formó con Ricardo Bartís, Pompeyo Audivert, Eugenio Soto y Ariel Barchilón. El principal rasgo de su carácter es su ansiedad. Lo que más aprecia en las personas es el humor. Su principal defecto es su exigencia. Sus actores favoritos son Christoph Waltz, Uma Thurman, Buster Keaton, Bill Murray, Dennis Hopper y Meryl Streep. En esta entrevista nos abre las puertas de su mundo creativo y de sus artimañas como directora.

Un ensayo de "Delia o la Noche de las flores". Ito (Yannick Du Plessis), Maga (Natalia Canillas) y Castro (Federico Iglesias)


¿Cómo surgió la idea de hacer una obra sobre una escultora italiana y sus extrañas prácticas nocturnas?
El año anterior a escribir la obra, estuve muy pendiente de algunos artistas, fui a sus muestras, accedí a material sobre su vida y obra. Fue sin querer pero algo de eso me quedó rondando y se mezcló con ejercicios de escritura, imágenes, experiencias personales y películas. Con el tiempo, la trama y el personaje de Delia fueron tomando forma. La escultura tiene un método que es muy representativo de la búsqueda del artista, de su proceso creativo. Literalmente, darle forma a lo informe, encontrarle un estilo, percibir sus tensiones. En Delia, probablemente, esté resumido ese quehacer y la obsesión por la obra, por tornarse obra ella también. Hay una simbiosis y un deseo de ser la misma cosa, en el personaje.

¿Cómo fue el proceso creativo de escritura?
El disparador inicial fue una idea para una película. Escribí las primeras cinco páginas para un taller que estaba haciendo y tuve que dejar. Pensé en retomar la escritura más adelante, pero la obra se me impuso. Tenía imágenes e ideas que fui plasmando hasta llegar a un primer boceto. Fue un proceso relativamente corto. Los personajes se me presentaron muy claramente, los ví, los pensé. Hace más de un año que trabajo con el material, lo modifico, lo completo y lo leo. Empecé a ensayar con los actores ese primer boceto y la escritura de la obra se fue completando con los ensayos. Los textos son míos, pero precisé probarlos con los actores.

Conversación entre los actores Ito (Yannick Du Plessis) y Castro (Federico Iglesias)



¿Por qué los personajes viven en un mundo refinado?
Los personajes son Delia, la escultora italiana y Renzo su esposo, con quién la convivencia se ha tornado dura, debido a sus prácticas nocturnas y la falta de contacto físico. Y además los tres invitados, amigos de Delia: Castro, Ito y Maga. Los vínculos se articulan de un modo muy dinámico durante la obra, entre ellos, con Renzo y Delia. Los personajes son presentados como unos snobs y terminan cometiendo calamidades. El marco de todo eso es un espacio prolijo, bello, atractivo, exacto, para que ellos pudieran ponerse desprolijos. Como una mancha de sangre sobre un tapizado bellísimo.

¿Qué relevancia tiene el diseño sonoro de “Fer Tur” dentro de la obra?
Empecé a trabajar con una hipótesis de banda sonora, que incluye temas de jazz de Mulligan y temas en italiano de Renato Carosone. Fer Tur, se encargó de agregar sonidos para ambientar lo que ya estaba armado visual y actoralmente.

En las recompensas incluyeron “una cena italiana” y “esculturas”. ¿Por qué y cómo se les ocurrieron esas recompensas y cómo las recibieron los activistas?
Quisimos que los activistas también pudieran inmiscuirse en el mundo que invoca la obra. Nos pareció que una cena y una escultura podían ser dos recompensas interesantes para ellos.

Brenda Costa (directora) dándole indicaciones a Renzo (Daniel Núñez)



¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizas? ¿Cuál es el objetivo artístico?
Esta es la primera obra que dirijo y escribo por completo. Antes había co- escrito “Living Room”. Con mi obra busco rescatar la burla, lo absurdo y el humor inteligente. Por otra parte hay algunas referencias a mí y a mi familia, pero no de manera consciente. El objetivo de “Delia o la Noche de las flores” es poder transmitir mis artimañas como directora, como creadora de un hecho teatral.

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas?
Fue bastante largo el proceso hasta lanzar el proyecto. Me había planteado definir objetivos y recompensas. Desde Diciembre hasta Abril estuve en contacto con Ivanna Fridman para plantearlo de la mejor manera. Finalmente, después de grabar el video con los actores, lo lanzamos. Durante los dos meses siguientes, tuvimos momentos de expectativa o de frustración, si veíamos que estaba estancado. Sentimos alegría cuando lo financiamos. Me hubiera endeudado si no lo financiaba por Panal de ideas.

¿Cómo vienen con los ensayos de las funciones?
Esta época es muy disfrutable para mí. Lo que era un frankestein ahora tiene forma y fecha de estreno. Con respecto hace un año atrás, ahora el trabajo parece más fácil. Trabajé mucho, estoy disfrutando del monstruo de mi creación. Somos un grupo grande, pero prolijos a ritmo. En un mes, veremos cómo funciona la obra y como la reciben los espectadores. Me parece importante mostrar el mundo que imagine y que todos puedan ser parte de este proyecto.

“Delia o la Noche de las flores”, dirigida y escrita por Brenda Costa. Se presenta desde Agosto hasta Octubre, todos los viernes a las 22hs en La Sala Habitándonos (Valentín Gómez 3155).

"Me gusta que la gente ayude a los artistas a través de Panal"

Juan Sasiaín es el director de “Vaimbora”, un largometraje que financió su arte, fotografía y movilidad a través de Panal de ideas. El film cuenta la historia del hijo de un titiritero que vuelve a casa con su novia venezolana. Sasiaín dirigió “La Tigra, Chaco” (multipremiada internacionalmente), “Choele” (con Leo Sbaraglia y Guadalupe Docampo, a estrenarse en 2014) y como actor hace diez años realiza espectáculos unipersonales por todo el país. El estado de su espíritu es armonía y busca la paz interior, la sabiduría. Odia el capitalismo y ama la naturaleza. Su principal defecto es sonreír demasiado y su ocupación preferida es escribir. Sus actores favoritos son Kevin Spacey, Tobey Maguire y Ananda Troconis. En esta entrevista nos cuenta sobre cómo surgió la idea de la película, como se eligieron los actores y la experiencia con el financiamiento colectivo.

Juan Sasiaín, el director y actor de "Vaimbora".


¿De qué trata la historia de Vaimbora? ¿Cómo influyen y se relacionan los roles que protagonizas como director y actor dentro de la película?
El actor coloca al director en un estado muy creativo, se desafían todo el tiempo. Trabajan en dupla y se potencian de una manera asombrosa. Surfean jugando con lo sagrado. La historia surgió un día cuando estaba en Mina Clavero en “La Casa de los Titiriteros” y observé pasar la citroneta del titiritero promocionando su arte. Como escritor, sentí fuego por dentro y entonces empecé a escribir con mi pluma. El largometraje cuenta la historia de una pareja en crisis, un viaje, un titiritero y una artesana, que llegan a la casa del padre de él. Los recuerdos de un pasado hermoso, se interponen y hacen ruido en el presente.

¿Por qué eligieron rodar el largometraje en Mina Clavero, Córdoba?
Ahí es donde todo empieza. En mis viajes como actor itinerante por los pueblos de mi querida Argentina, nacen mis películas. Las historias que traigo a mi regreso son un exceso de equipaje que por suerte nadie me cobra. Cuando estaba aprendiendo a manejar, me descubrí frente a un semáforo en rojo, en punto muerto. Con las ganas de avanzar y el miedo de que el auto se me apagara. Cuando cambió la luz, mi padre me dió dos golpes de confianza en la pierna y me dijo: "Vaimbora". Nunca supe que quería decir. Pero ahora que no lo tengo, cada vez que estoy parado con ganas de avanzar hacia algún lado, siento su voz de aliento y avanzo. Ahora me animo a realizar cualquier sueño, tengo su voz que me acompaña. Eso justamente le pasa al protagonista de esta historia, así que “¡Vaimbora para todos!”.

Juan Sasiaín y Ananda Troconis, los protagonistas de "Vaimbora".


¿Cómo fue el proceso de selección de actores para Vaimbora?
Los conseguí a través del paso de los años. Viaje a Venezuela hace un tiempo a dirigir actores en la película “Nena, saludame al Diego” de una amiga que se llama Andrea Herrera. Allí descubrí a una persona luminosa como un ángel: Ananda Troconis. Es precioso contar con un buen elenco y con grandes personas que suman energía a este proceso creador que disfruto todos los días. Estoy feliz de contar nuevamente con la magia de mi actriz fetiche Guadalupe Docampo, que me hace crecer esta vez a mí, porque somos compañeros actores. Otro de los actores, Rufino Martinez, es para mí una voz de padre que conocí hace ya diez años cuando me recibió en su casa, en su teatro para hacer una función. Estoy muy feliz de invitarlo a participar por primera vez en una experiencia cinematográfica.

¿Cómo es que llegaron al financiamiento colectivo? ¿Cumplió con tus expectativas?
Hace tiempo tenía ganas de hacer un proyecto de crowdfunding. Me gusta que la gente ayude a los artistas a través de Panal. Me agrada que no intervengan grandes marcas que impongan pensamientos capitalistas y que las ideologías reinantes sean las propias de la obra y del artista. Muy pronto tenemos ganas de realizar otro proyecto en Panal de ideas.

Una escena del backstage de "Vaimbora".


¿Cuándo se estrenará la película y en dónde?
El cine es un arte que lleva muchos años. Aún no hay fechas confirmadas. Lo que se sabe son las ganas, el empuje, el apoyo del INCAA, de Vaimbora films, de un montón de gente talentosa, de los activistas, y de nuevas empresas amigas que se suman y que la película muy pronto va a nacer. El Pre- estreno exclusivo para activistas de Panal de ideas se realizará tal como quedamos, así que los que compraron las recompensas podrán disfrutar del largometraje.


"Logramos lo que soñamos"

Ernesto “Tuqui” Donegana es el director de “La hora azul”, una obra de teatro que se financió colectivamente a través de Panal de ideas. El espectáculo recorre la historia Argentina a través de la música, danza, canciones y otras artes escénicas. Donegana se formó como actor en “Sportivo Teatral” y en el “Teatro San Martín”, entre otros. El principal rasgo de su carácter es ser respetuoso y quisiera ser más alto. Su principal defecto es que es desordenado, pero detesta la impuntualidad. Sus actores favoritos son los políticos. En esta entrevista nos cuenta sobre la obra y los desafíos del crowdfunding.


¿Cómo surgió la idea de hacer una obra sobre un cabaret que recorra la historia Argentina?
La idea era trabajar aspectos de la historia reciente del país, esto nació dentro del género cabaret porque desde allí pensamos la realidad, la parodiamos y producimos un choque. Es una cabalgata paródica e humorística sobre coyunturas políticas del país. El cabaret es un género anárquico, extraordinario y único que permite decir lo que nadie dice. No tiene un relato, sino que está estructurado en números y el público puede mirar el espectáculo tomando algo desde nuestra barra exclusiva. Removemos así el pensamiento único del “gran modelo argentino”, para pensar en otra cosa. Para torcer ese pensamiento único necesitábamos de un autor como Alejandro Tantanian que sondeó en la historia del género. Luego escribió los textos y canciones que están presentes en “La hora azul” basándose en discursos famosos de la historia Argentina, canciones de Bertolt Brecht, Friedrich Hollander, Stephen Sondheim, Cole Porter, Jacques Brel y Boris Vian, entre otros. Muchos de los nombrados, son enormes letristas que construyeron piezas únicas, dentro de la música y su propia mirada sobre la realidad de su país.

Ernesto Donegana, director de "La hora azul".


¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizás? ¿Es importante la estética?
Cada espectáculo es nuevo desafío. Siempre llevo adelante nuevas propuestas diferentes entre sí, que me exigen forzar mis propios límites y entablar desafíos creativos. “La hora azul” involucró un proceso artístico que nos enfrentó con limitaciones y logros extraordinarios. Estoy feliz con lo que conseguimos. Creo que esa felicidad es la que se trasladará a los espectadores. Gozamos haciendo la obra y es un gran objetivo logrado. El trabajo que llevé adelante con Zoe Di Rienzo, la encargada de arte del cabaret, ha sido de lujo. Zoe es una artista plástica única con una extraordinaria imaginación y un potencial artístico explosivo. Me conmovió mucho ver como quedó el espacio después de las intervenciones de Zoe. El vestuario es un verdadero lujo para una producción de este tipo, hay de todo: desde plumas, hasta capas de seda. ¡Invito a todos a compartir la experiencia!

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas? ¿Qué hubiera pasado si no podían comprar las pelucas y la utilería para la obra?
La experiencia fue única, nunca dudamos que llegaríamos a financiarlo. Siempre supimos que Panal de ideas era un espacio para financiar este proyecto que quiso ser independiente del dinero del Estado. Si no hubiéramos conseguido el dinero, las actrices hubieran sido peladas y no utilizaríamos objetos. Afortunadamente nada de eso ocurrió. Logramos lo que soñamos. Además a través del voluntariado conseguimos un estudiante de actuación que colaboró en la obra, eso fue un beneficio extra que nos dio Panal de ideas.

Tres actrices de la obra. Marien Perseo (Irene), Marcela Arza (La polaca) y Flora Ferrari (La tana


¿Qué significa para ustedes presentarse en la Casona Iluminada? ¿Cómo les fue en el estreno?
La Casona Iluminada es hoy uno de los espacios radicalmente alternativos que ofrece la ciudad de Buenos Aires. Para nosotros poder formar parte de la programación es una verdadera felicidad. Reconocemos en ese espacio marcas generacionales muy fuertes y adherimos a esas voluntades de búsqueda y estéticas. El estreno fue un salto al abismo, pero estuvo más que bien. Todos contentos. Esperemos a ver que sucede en la segunda función.


“La hora azul”, de Alejandro Tantanian con dirección de Ernesto Donegana. Se presenta por dos meses todos los viernes a las 23.15hs en La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979).

“El financiamiento colectivo permite apoyar el arte independiente”

Paula Baró es directora teatral y financió colectivamente a través de Panal de ideas dos obras de su autoría. En la primera costeó el vestuario de “Los lindos” y en su segunda experiencia consiguió financiar la escenografía de “Línea de Cajas”, una historia que transcurre en un supermercado y que se estrenó el domingo pasado en el Abasto Social Club. En esta entrevista nos cuenta sobre las dificultades de ser directora, la importancia de la estética de la obra y nos brinda recetas para hacer exitoso un proyecto de crowdfunding.

En su mano izquierda, lleva una cinta contra la envidia. Paula Baró pide un café y ansiosa mueve las manos cuando habla. Trabaja como dramaturga, directora, programadora, profesora de teatro y productora. El estado de su espíritu es violeta y naranja, está en un gran momento. Además coordina el departamento de teatro del Club Cultural Matienzo y es parte de la agrupación “Escena”. El principal rasgo de su carácter es la tenacidad y su cualidad es la sensibilidad. Dice que le gustaría ser un rayo de luz, una médium entre deseos y realizaciones. Lo que más detesta es la quietud y un don natural que le gustaría tener es la teletransportación. El teatro para ella es un lugar donde se realizan sus deseos. Un actor para ella es alguien que actúa sobre la realidad. Cuando el camarero le trae el café, se enciende el grabador y comienza la entrevista.

Paula Baró sosteniendo el afiche de "Línea de cajas".


¿Cómo se te ocurrió la idea de hacer “Línea de Cajas” y de que trata la historia?
La idea surge cuando Emanuel Medina la estaba escribiendo en su taller de dramaturgia y yo me fui enamorando del texto y cuando lo terminó le dije: “Yo la quiero hacer”. Y bueno, la hicimos. La historia sucede en un supermercado, todo sucede en el territorio de lo real, aunque por momentos hay algunos extrañamientos. Si vos estás durante nueve horas en un supermercado muchos años, todo lo que sucede en tu vida tiene que ver con el espacio y hay lazos afectivos. Hay relaciones de poder. A eso se suman historias de los clientes que van a ese súper y se exponen los vínculos humanos desde la diversificación del consumo. Es una comedia emotiva y una operación política que cuestiona. Los personajes son dos cajeras, un repositor, una chica de informes y tres clientes, cada uno tiene sus propias características. Trabajé mucho en la puesta antes de convocar a los actores, pensé en darle una tridimensionalidad al texto y tuve que pensar un elenco que tenga que ver con lo que cada personaje podía aportar desde lo estético. La construcción fue por etapas, primero me encargué de que se aprendan los textos. Después fui armando una estructura de acciones que contienen la actuación desde la dirección. Pero los actores son muy talentosos y tienen libertad sobre sus propios personajes.

¿Qué rol ocupa la escenografía dentro de la obra? ¿Por qué es importante?
Sin la escenografía no hubiese hecho la obra. Es un factor central. La escenografía es un actor más. Fue realizada y diseñada por Julieta Potenze, junto a un equipo de realizadores que participaron del armado. Nosotros elegimos el “Abasto Social Club” porque hay una decisión política al ensayar en una sala independiente que es un galpón. La elegimos por aspectos estéticos y geográficos. Cuando trabajamos con Julieta Potenze queríamos elaborar al algo lúdico y realista desde la escenografía. Es un juego de supermercado. Pero es realismo porque la máquina registradora expende tickets y las góndolas y los productos son reales, pero en lo estético está todo reducido a menor escala, como si fuera la “República de los niños”. Nos parecía divertido recrear cuando uno entra a una farmacia donde todo está equilibrado, la luz es perfecta, uno está relajado y compra cosas que no necesita. El ambiente está predispuesto por la lógica de consumo. La idea es que el espectador quede consumido, pegado a la obra.

Una escena de la obra "Línea de Cajas".


¿Adherís con el existencialismo del texto de Emmanuel Medina? ¿Trabajaron en conjunto para la elaboración del texto? ¿Cuál fue la importancia de la musicalización de Martín Simonovich?
Adhiero al existencialismo grisáceo de Emmanuel Medina, el tiene la palabra en dramaturgia y yo la tengo en dirección. Somos un equipo y venimos trabajando hace dos años. Medina estuvo presente en todos los ensayos y se encargo de contener a los actores en la parte de comprensión de texto. Son escenas cinematográficas de tres minutos, como un zapping. Yo soy fanática de la puesta en escena. Me gusta la idea de tener ganas de mirar una obra. La música que compuso Martín Simonovich es un colchón, esa música que se escucha de fondo en los locales. Hay efectos de sonido que son claves para la obra. El desafío era crear una música que no joda la acción, por eso logramos una sintonía tranquila.

Sos la única artista que tuvo dos proyectos exitosos en Panal de ideas. ¿Hay alguna receta para lograrlo?
Me gusta trabajar con Panal de ideas. El financiamiento colectivo permite apoyar el arte independiente. Mi experiencia fue siempre intensa y llevó mucho trabajo, pero fue un camino que funcionó. En mi caso creo que se movió porque tengo creencia y participo de proyectos independientes. Yo trabajo en Centro Cultural Matienzo y de una agrupación que se llama “Escena”. En mi universo todos colaboramos con el proyecto del otro como forma de vida. Es una decisión, una forma de hacer las cosas. Alrededor mío tengo una red de gente que ayuda a difundir. El éxito de mis proyectos tiene que ver con las redes sociales y con la ayuda de mi asistente de proyectos artísticos Belén Charpentier. Juntas, eramos dos psicóticas compulsivas compartiendo, vigilando, controlando, viendo quién aportó, cómo seguir un aporte. En la primera obra que subí a la página financié el vestuario de “Los lindos” y los aportes se sucedían de una manera muy natural porque era la primera vez que lo hacíamos, creo que fue la época del año y el presupuesto que pedíamos no era alto. Para financiar “Línea de cajas” tuvimos que trabajar mucho para lograrlo, pero contamos con el apoyo de muchos activistas del proyecto anterior. Incluso conseguimos a través del voluntariado una ayudante de producción. Cada proyecto que hice en Panal, aprendí de la experiencia y fui sacando mis conclusiones. Hay que entender que no es plata gratis y la difusión es fundamental. Las recompensas deben genera el menor costo. Lo importante es establecer un monto lógico a recaudar y trabajar diariamente en difundir el proyecto.

Afiche oficial de la obra de Paula Baró.



"Línea de Cajas", de Emmanuel Medina con dirección de Paula Baró. Se presenta todos los domingos a las 20:30 hs. en Abasto Social Club (Yatay 666). Las entradas pueden comprarse a través de Alternativa Tetral o llamando a la boletería del teatro al 48617714.

Elenco: Armenia Martínez ("El Elegido", "Resistiré", "Lúcido" de Spregelburd, "Piel de chancho", "Medea", entre otras), Nacho Ciatti ("Alemania", Ganador del premio TRINIDAD GUEVARA 2011 como revelación masculina), Leandro Ibarra, María Camila Donato, Lucía Maciel, Antonella Querzoli y Carmen Roig.





“Gracias a Panal mejoramos la calidad del espectáculo”

María Eugenia Figueroa es productora artística y fue la encargada de financiar colectivamente través de Panal de ideas en Abril de este año, la producción de la 5º edición del ciclo cultural “Mujerío” que se realiza hace 4 años en Paraná (Entre Ríos). La ocupación preferida de Figueroa es la música y el año pasado sacó su primer disco “Gesto” junto con Laura Ramat. Su estado actual del espíritu es alegre y según ella su principal defecto es que es terca. Sus músicos preferidos son Silvio Rodríguez, Eduardo Falú y Sebastián Bach. Aquí nos cuenta su experiencia con la plataforma de crowdfunding.


¿Cómo surgió la idea hace cuatro años atrás de hacer Mujerío?
La idea original fue de Analía Bosque, amiga y compañera. Ella me buscó para dar forma a un ciclo que convocara a las artistas mujeres de nuestra ciudad, porque somos muchas y no teníamos un espacio que nos promoviera. Desde el comienzo, el perfil del ciclo fue integrador de las diferentes disciplinas, generaciones, géneros y estilos. El segundo año se sumó la artista plástica Gloria Daneri y junto con Bosque nos transformamos en las organizadoras del ciclo. Queríamos destacar a las mujeres que se valen de sí mismas, a las que con su propia fuerza logran dar cauce a su don particular. El clima más propicio nos pareció la intimidad, un espacio donde el público se encuentre con estas mujeres y su arte.

María Eugenia Figueroa, la productora artística y ejecutiva de "Mujerío".


Desde que empezó el ciclo en el 2009 se sumaron más de 70 artistas. ¿Comenzó siendo una serie de conciertos y se transformó en un espacio de encuentro para artistas?
Mujerío surgió siendo un ciclo de recitales, pero en su esencia fue siempre un ciclo de encuentros culturales multidisciplinarios que tuvo como eje la música en diálogo con otras artes. El escenario siempre fue ocupado por una gran cantidad de mujeres y en la estructura buscamos reflejar la figura solista y el abordaje grupal de la música. En el espectáculo hay también una composición musical que oscila entre lo visual, el movimiento y la palabra donde invitamos a una artista a narrar, pintar, danzar, actuar y recitar. Desde el inicio, más de 70 mujeres han participado y este año las figuras convocadas fueron nueve y el número se agranda. El ciclo busca dar espacio a lo regional y local. Se amplió el abanico invitando gente de Santa Fe y ciudades de otros departamentos de nuestra provincia.

¿Cuál fue la principal diferencia de “Mujerío” financiado colectivamente y los ciclos de los años anteriores?
Creo que hay diferencias fundamentales. En primer lugar, los años anteriores hacíamos lo imposible por llevar adelante el ciclo, con un presupuesto por debajo de lo ideal que nos permitió la continuidad del proyecto. Pero esta vez fue diferente. Gracias a Panal mejoramos la calidad del espectáculo. Eso sucedió porque el financiamiento colectivo nos permitió hacernos conscientes de un presupuesto real y concreto. Al definir esto se delimitó el tipo de acción y surgió así la iniciativa de algunas personas de sumarse al equipo de trabajo. Se generó una red amplia de gente dispuesta a colaborar y hasta conseguimos que la Secretaría de Cultura Municipal se sume a la financiación. Por otra parte, la movida mediática hizo que radios y diarios locales nos difundan.

La programación del ciclo incluye rock, rap fusión, folklore, música coral y música clásica para piano solo, junto a performances de poesía, teatro delirante y acrobacias en tela. ¿Cómo recibió el público toda esta mezcla artística?
El público percibió el espectáculo con respeto y curiosidad. Nosotros diagramamos la programación para generar una tendencia de apertura hacia lo novedoso. Todos los estilos que proponemos nos gustan por igual, la concurrencia de esta edición fue más pareja que nunca y eso es muy grato porque vamos cosechando lo que sembramos luego de años de insistencia. Además fue positivo que la edición de Mujerío en abril, se realizó en el Centro Cultural y de Convenciones “La vieja Usina” que tiene la sala ideal para realizar el ciclo, por su capacidad, equipamiento y personal técnico. La variedad de espectáculos que propone “La Vieja Usina” está en concordancia con nuestro criterio de diversidad.

Analía, Maru y Gloria, las organizadoras del ciclo.


¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas?
¡Dudamos mucho de financiarlo! Nos parecía inalcanzable el presupuesto. Lo vivimos con ansiedad, dudas y esfuerzo. Elegimos Panal porque nos pareció acorde a los principios de Mujerío. Presentar el proyecto fue enriquecedor porque tuvimos la posibilidad de redefinir los fundamentos de Mujerío y comprobar con orgullo lo vital que es para nosotras su existencia. Fue complejo idear las recompensas, ya que significó crear moldes y estructuras que no existían. Las recompensas fueron pensadas en función de difundir el trabajo de las mujeres que han formado parte de la programación del ciclo y dinamizar la circulación de sus producciones por fuera de lo convencional. La más vendidas fueron las entradas para el ciclo. Panal resultó un incentivo para redefinir ciertas cuestiones de organización y finalmente nos permitió conseguir el presupuesto para la realización del ciclo.

Una banda musical integrada por mujeres, tocando en el escenario de "Mujerío".



“La obra no sería la misma sin la escenografía”

Aimé Malena Pansera es productora teatral y se encargó de financiar colectivamente la escenografía de la obra de teatro “Derrotero o las ausentes” a través de Panal de ideas. En su carrera fue asistente de la compañía de danza “Rara Avis” en Barcelona y dio clases de dramaturgia en la Sorbonne Nouvelle en París. El principal rasgo de su carácter es la simpatía y su principal defecto es la formalidad. Sus actores favoritos son Martin Wuttke, Analía Couceyro e Iván Moschner. Aquí, nos cuenta su experiencia con el crowdfunding.

Aimé Malena Pansera, productora de “Derrotero o las ausentes”.


¿La obra está basada sobre el Delta del Paraná y el universo de Haroldo Conti? ¿Por qué fue tan importante financiar la escenografía realizada por Félix Padrón?
Sí, nos basamos en eso para hablar sobre la ausencia, de la muerte, de la fantasía, de los sueños y del aislamiento. La obra no sería la misma sin la escenografía. Es fundamental porque ancla el universo de los personajes, el de un barco encallado en una isla de Paraná. Funciona como disparadora del ambiente y ayuda a lograr el tono, organiza el espacio y el tiempo. Felix además aporta una sensibilidad única con su dramaturgia y su actuación.

¿Cómo definirías el tipo de teatro que realizan y cuál es el objetivo artístico?
Nosotros con el grupo Derrotero realizamos teatro en cooperativa, con apoyo institucional. Somos un grupo de artistas reunidos alrededor de la creación y con ganas de producir contenido diferente. El objetivo artístico del proyecto es la creación de lenguajes poéticos que produzcan la reflexión y la emoción en los espectadores que vean la obra.

Los actores sobre la escenografía de la obra, en medio de una escena.

¿Qué significa para ustedes que “Derrotero o las ausentes” esté exhibida en el Centro Cultural Rojas?
Es un gran honor para todos nosotros estar en el escenario de la mítica sala “Batato Barea”. El proyecto fue elegido a través de la convocatoria abierta que lanzó el Centro Cultural Rojas para su ciclo “Operas Primas”. Todos los que formamos parte del grupo estamos trabajando en proyectos a futuro. El director de la obra Juan Ignacio Bianco, está participando en una obra de teatro clásico en el Cervantes. Junto con Félix, el escenógrafo estamos trabajando bajo la dirección de Emanuel Ludueña, en el último trabajo de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea que se llama “Ensayo sobre el final del invierno”, que se estrena la semana que viene en la Biblioteca Nacional.

¿Cómo fue la experiencia de financiar colectivamente a través de Panal de ideas?
El trato con el equipo de Panal fue siempre directo, constante y muy amable. Nos sentimos muy apoyados y cuidados por los responsables de la plataforma. No dudamos nunca de la posibilidad de financiarlo, porque el aporte de los activistas fue bastante constante. La experiencia fue muy grata y exitosa, principalmente gracias al arduo trabajo de todo el equipo de Panal, así como del elenco y nuestros colaboradores en la recolección de fondos.

El equipo de “Derrotero o las ausentes” (De izquierda a derecha): Victoria Cipriota, Félix Padrón, Aimé Pansera (productora), Manuela Méndez y Verónica Mayorga, Matías Méndez (dramaturgo), Juan Ignacio Bianco (director).


“Derrotero o las ausentes” realiza funciones los viernes a las 22.30hs en el Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038) hasta el 24 de Mayo.








“No es un libro nuestro, es un libro colectivo”

Javier Fuentes y Nicolás Fernández son fotógrafos y financiaron colectivamente a través de Panal de ideas el libro “Rostros de un triunfo”, un compilado de fotos sobre el día que se sancionó la Ley de Matrimonio igualitario en el 2010. El pasado 16 de abril, el ejemplar fue Declarado de interés para la promoción y defensa de los derechos humanos. En una entrevista íntima, nos cuentan el esfuerzo y pasión que significó la realización del proyecto.


Un gato siamés sale al balcón y observa el barrio de Montserrat desde arriba. De un salto, vuelve a meterse dentro de la casa restaurada, en una habitación equipada como estudio de fotografía. Se pierde entre reflectores y se esconde atrás de un sillón rojo. El felino, entra al comedor y mira un dibujo que les regalo Liniers a los dueños del hogar, el día que se aprobó la Ley de Matrimonio igualitario. Luego se posa debajo de unos estantes que sostienen decenas de cámaras fotográficas antiguas, se sube sobre una mesa larga y menea la cola mientras sus dueños lo acarician. Javier y Nicolás son pareja. Y tienen dos gatos más y un perro. El estado del espíritu de Javier es un estanque de agua, se considera terco, la virtud que más admira de los hombres y mujeres es la mirada franca, su cualidad es reinventarse y lo mejor que le podría pasar es irse a París a sacar fotos. Nicolás tiene su espíritu extasiado, es analítico, ama viajar, odia la mentira, le gustan los desafíos y lo mejor que le podría pasar es ganar la Quiniela. A pesar de ser tan diferentes, son muy divertidos y cuando se ríen lanzan carcajadas coordinadas, como si sus risas salieran de una sitcom. Evitando reírse, contestan las preguntan, mientras ceban los primeros mates.

¿Cómo vivieron la vigilia fotográfica esperando que se sancione la Ley del Matrimonio Igualitario el 15 de Julio el 2010 en el Senado de la Nación? ¿Qué significó esa ley para ustedes?

Javier: Fue romper estructuras, era una caravana de emociones. Tenía la certeza, pero no la seguridad de que se iba a sancionar. Hacía mucho frío. Me acuerdo de “Cachita y Ramona” que son dos lesbianas de 70 años que no son ni rubias, ni musculosas y nos estaban reivindicando. Sentí que habían postergado mis derechos hasta ese día. Había mucha gente que no era gay y nos apoyaba. Era muy loco pescar eso con las cámaras. No fue una discusión politizada, la gente tenía libertad de conciencia. Al otro día de la ley, subimos fotos a las redes sociales donde mostrábamos las reacciones humanas. Fue un éxito porque nos escribieron de Holanda, España y todo el país. Pasaron varios años y hace dos semanas, cuando nos reconocieron en la Legislatura por el libro, estaba presente mi ex mujer, mis padres y mi hijo. No pude evitar emocionarme, porque fue un espacio de reconciliación con mis fantasmas del pasado. Tené en cuenta que hace 20 años atrás te llevaban preso o te cagaban a palo por ser puto.
Nicolás: Ese día se abolió la desigualdad. Sentía que se iba a aprobar, pero si no pasaba nada, la ibamos a seguir peleando. Fue muy loca la cantidad de gente que había. Se discutía sobre la Ley de Matrimonio Igualitario en los colegios, en los programas de tv y en los subtes. La gente en la calle hablaba de eso. En el momento que se aprobó la ley no pudimos sacar una sola foto, solo queríamos abrazarnos. La cámara pasó a un segundo plano. Nosotros militamos desde la fotografía. El día de la sanción caminamos hasta Callao y Santa Fe y la gente en los balcones nos felicitaba por ser putos. Los medios y el periodismo tenían una mirada más frívola y decían: “Hay dos putitos que quieren casarse”. Pero la causa de fondo era mucho más profunda. Yo siempre me sentí así, me di cuenta que no tenía que curarme de nada. Recién me había asumido como gay frente a mi familia y solo mis viejos lo aceptaron. Sin embargo cuando se aprobó la ley mi hermana me mandó un mensaje que decía: “Te felicito”. Creo que muchos chicos salieron del closet. La ley fue una cuestión de autoconfianza y amigarse con uno mismo.

¿Qué significa para ustedes que “Rostros de un triunfo” haya sido declarado de interés para la promoción y defensa de los derechos humanos por la Legislatura?

Javier: Nosé si nos dimos cuenta lo que pasó. Cuando Osvaldo Bazán nos presentó en su programa de TN no entendíamos nada. El reconocimiento es muy fuerte y tiene que ver con el éxito del libro en Panal de ideas que más allá del trabajo artístico, tiene un condimento social. Es un documento que pretende ser histórico. Registramos lo que nos conmovía. En “Rostros de un Triunfo” se relata cómo un grupo de gente derriba un mito por sus derechos porque cree en la realización de los sueños. Eso nos indica que vamos por el camino correcto.
Nicolás: Creo que Javi estuvo más conciente de todo esto. Yo tengo 26 años. Me imaginaba que me iba a pasar a los 30. Me impacienta un poco lo que viene. Que nos hayan reconocido significa que tenemos que exigirnos más. Un día Raúl Zaffaroni nos felicitó y no lo podíamos creer. El libro realmente nos lleno y nos llena de esperanzas.

¿Qué sienten al saber que su proyecto fue el que logró juntar más dinero en Panal de ideas ($69.805)?

Nicolás: Nosotros hicimos el esfuerzo y todos los días seguíamos el proyecto de cerca en Panal. Los últimos 20 días fueron heavys y sufríamos porque no entraba guita. Hubo mucha gente que no entendía cómo hacer los aportes y los explicábamos que era sencillo. Si uno genera proyectos donde la gente se ve involucrada, hace que el proyecto sea exitoso. Por eso aportaron muchas personas que no conocíamos, como dos anónimos que pusieron 5000 y 500 pesos. Era increíble, la gente me pedía que le firme el libro y yo les ponía: “Gracias por ser parte de estas páginas”. No es un libro nuestro, es un libro colectivo. A todos los activistas les agradezco y les recomiendo que sigan apoyando la financiación colectiva. Hay muchos “Rostros de un Triunfo”, con otros nombres. El libro en realidad fue un pedido de los demás y nosotros solos jamás lo hubiéramos editado .
Javier: Pensé que no lo íbamos a financiar. Pedíamos 55 mil pesos para la edición del libro fotográfico. Cuando fuimos a la oficina de Panal, Ivanna, la coordinadora de producción nos dijo: “¿No pueden hacer una tirada más chica?”. Era un desafío gigante, pero no imposible. Por eso pusimos el doble de esfuerzo y nos estresamos mucho. El libro tiene un condimento muy particular y la gente se ponía la camiseta. Mucha gente lo compró los últimos 15 días, eso fue gracias a las relaciones públicas que posibilitaron que la gente ponga dinero, porque Facebook no es mágico. Gracias a los aportes, hoy estamos volando bajito. Fue un trabajo de colaboración colectiva y “Rostros de un triunfo” no es un libro nuestro. Hay una plataforma alejada de cualquier Gobierno, alejada de los subsidios, las burocracias y a favor de la gente, eso es Panal de ideas. Nuestro libro así logro trascender el papel y tenerlo impreso fue solo un fetiche porque se generó una revolución mucho más grande.

¿Qué rol ocupó la plataforma de Panal para su proyecto y como vivieron la experiencia ?

Javier: Panal de ideas nos dió un marco legal de confianza. Fue una formalización, que nos sirvió. En la primera entrevista que tuvimos nos dieron contención. Es una herramienta dedicada a los hechos artísticos en la que pudimos confiar y estuvimos asesorados. Fue fundamental estar acompañado por todo el equipo de producción.
Nicolás: Habíamos escuchado que en Alemania había una página de crowdfunding, pero no teníamos idea de qué se trataba. Estuvo bueno que la coordinadora de producción nos explicó que las recompensan debía ser algo físico, tangible y nos daba tips. Ofrecer el libro era la principal recompensa que dábamos a cambio de dinero.

¿Qué significa la fotografía para ustedes? ¿Dónde se puede conseguir el libro para comprarlo?

Nicolás: La fotografía es el motor, podemos expresarnos de otra manera. Yo doy muchas vueltas, pero una foto es una foto. El otro no siempre tiene que pensar lo mismo. Es una forma de expresión subjetiva natural de las personas. Una foto es poder compartir la mirada. Soy feliz porque mi fotografía no tiene que estar en el diario para que la vea mucha gente. Golpeamos dos meses puertas de editoriales, pero a nadie le interesaba el libro. Hasta que un día, un editor lo vió y nos dijo: “Esto es increíble, no existe algo así. Queremos distribuirlo”.
Javier: Gracias a la fotografía canalizo todo lo que tengo adentro. La fotografía me permitió modificar la realidad y poder decir algo. Cuando me desvestí de mis creencias religiosas me quedé vació. Pero a través de la fotografía pude quedarme en el tiempo. El libro se puede conseguir a partir de las próximas semanas en Yenny y el Ateneo, Distal y todas las librerías del país. A través de las redes sociales llegaron nuestras fotos a Holanda, Chile, Brasil, México y España. Atrás de este libro, hubo muchísimo laburo. El financiamiento colectivo es otra forma de vivir y ver la vida. Y nosotros gracias a eso, hicimos posible un sueño.

Fotos: Ignacio Rivas.

Entrevista a Pablo Gorbach, cineasta.

Filmar Cortezas sería un ritual para sanarme

Su proyecto es filmar un corto que llevará el nombre de Cortezas. Para concretar la realización decidió subirlo a la web y financiarlo colectivamente a través de Panal de ideas.


Revoltoso e intranquilo. Así es el estado mental de Pablo Gorbach y según él mismo son dos aspectos de su carácter que lo definen. Sin embargo lo expresa con demasiada calma. Está almorzando comida árabe en el último piso del Abasto y unas lámparas con forma de nave espacial lo custodian desde el techo. Casualmente siempre que responde una pregunta, las mira y contesta como si ellas lo iluminaran. Detrás de su espalda, hay un ventanal gigante y unas nubes aparecen de repente. Mientras eso sucede, comenta que el cine, la música y la literatura son el eje central de su vida. Su mayor defecto es que le cuesta relajarse, pero su lema preferido es “disfrutá”. Lo peor que podría sucederle es estar obligado a no hacer lo que le gusta. Es por eso que siente que el cine es el medio de expresión que más disfruta porque lo transporta a otro lugar donde puede ser el mismo. Los directores que lo inspiran son Darren Aronofsky, Pablo Trapero y Stanley Kubrick. Pablo estudió dirección cinematográfica con Christian Pauls y con Gustavo Fontán. Escribe sus propios guiones y su primer corto se llama:El Juego de Rol. Ahora, quiere financiar su segundo corto Cortezas a través de Panal de ideas y es por eso que le hicimos cuatro preguntas para saber de qué se trata:


1- ¿De qué trata Cortezas el corto que querés financiar a través de Panal de ideas?

Cortezas muestra la ruptura en la vida de Carla cuando decide liberar el amor que lleva en su interior. Carla desea ver la vida como es, sin ocultarse más nada. Quiere volver a amarse. Para eso necesita desprenderse de sus cortezas y el corto muestra todo el proceso de mutación. La idea surgió una noche que escribía una novela, iba por la página 90 y me agarró una crisis de escritor donde sentí que tenía que sacar sentimientos desagradables afuera. Hace cinco años atrás me había pasado lo mismo con una novela anterior que era una autobiografía donde exponía lo conflictuado que estaba con mi vida. Como no quería repetirme, decidí volcar mi energía en un guión de cine que ahora se llama Cortezas. El objetivo principal de la película es poder sublimar una sensación repulsiva y transformarla en arte.

2- ¿Qué es lo que priorizas a la hora de filmar?

Para mí es fundamental la música y la fotografía. En Cortezas eso estará muy presente, sobre todo la iluminación y la música es original de Alejo Nobili. Para alcanzar el tono de la película cuento con un equipo de gente muy talentosa, que admiro y que tiene buena onda. Después todo se dio muy rápido y lo que más me costó fue llegar a la versión final. Eliminé escenas y llegué a una película sin diálogo. Me ayudó Romina Massa que es mi asistente de dirección. En mi corto anterior, la importancia estaba en la acción que avanzaba con los diálogos, en cambio ahora quiero financiar esta película porque voy a darle importancia a la riqueza visual, a lo artístico. Dirigir para mí significa que el espíritu esté intacto. Por eso eliminé todas las escenas que no construían el camino emocional hacia el quiebre.

3- ¿Hasta dónde pensás llegar con Cortezas?

Me gustaría llevarla a muchos festivales, le tengo mucho cariño al proyecto. Lógicamente quiero que mucha gente pueda verla e incluso me gustaría verla mezclado entre la gente. Siento que es una película incómoda que va a calar hondo en el alma de los espectadores. La historia es sencilla y clara, pero me permití que contenga pequeños segmentos experimentales. De esa manera puedo explorar y aprender cosas nuevas. Hay muchas cosas mías en la peli. Filmar Cortezas sería un ritual para sanarme. Por eso me permito dudar y tener miedo, porque cuento con un guión y un equipo sólido. Estamos ensayando mucho con la actriz Agustina Peres, porque la actuación quiero que sea cuidada y artesanal. Ella es muy creativa y yo me asumo como creador porque mi flujo de creatividad siempre fluye.

4- ¿Por qué elegís Panal? ¿Qué te parece la posibilidad de que el público pueda ser productor ejecutivo?

Elijo Panal de ideas porque me gusta su filosofía y es un espacio de artistas y para artistas. Además de ayudarme a recaudar me ayudan para que mi proyecto sea visible en una web para todo el mundo. Me encanta la posibilidad de que el público pueda convertirse en productor ejecutivo porque los que elijan mi corto van a elegirlo no por una alianza comercial, sino porque les gusta de verdad. Me parece muy novedoso y esas son las posibilidades que brinda el financiamiento colectivo. Es una nueva manera de encarar el arte. Los que compren las recompensas van a vivir junto a nosotros el proceso de la película y si ganamos un premio, ellos también serán parte de esto, porque Panal permite que mucha gente colabore para que finalmente filmar esta película deje de ser un sueño y se convierta en una realidad.

Con tu colaboración podés hacer que Cortezas se haga realidad. Te invitamos a que veas las recompensas y el el tráiler de la película


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